martes, 30 de diciembre de 2014

Tu madre se ha comido mi Podcast

Hoy os quiero hablar de un proyecto en el que estoy colaborando: el podcast: Tu madre se ha comido mi Podcast.
Producido por Artistic Metropol, nace un programa sobre el séptimo arte desde una perspectiva ¿diferente?¿bizarra? ¿amanerada?¿destructiva?¿épica?¿hipster?¿erótica?... juzgad por vosotros mismos.
En este primer programa, donde colaboran varios de los autores que engendraron este monstruo, se hace un repaso de la cosecha de 2014 y lo más destacado que nos deparará el celuloide después de las uvas.
Todo un regalo para vuestros tímpanos.

¡Al ataque!  



 

sábado, 13 de diciembre de 2014

Under the Skin (2013) de Jonathan Glazer


El cine en sí mismo es un viaje, y sobretodo si es proveniente de un género como la ciencia ficción, debido a que entramos a un nuevo mundo más o menos reconocido pero con unas reglas propias de la historia que nos están contando, con más o menos base científica según la propuesta.
En el caso que nos atañe, la cinta dirigida por Jonathan Glazer y basada en la obra del mismo nombre del famoso escritor Michel Faberse, se acentúa más si cabe la sensación de viaje debido a que es una road movie en el que  se narra las andanzas de una mantis alienígena con la piel de Scarlett Johansson, que viajará por Escocia en una destartalada furgoneta en busca de posibles presas sexuales. La última consecuencia del deseo carnal es la muerte. Eros y Thanatos a tope.
No obstante también veremos como no es tan fácil como parece encontrar a un hombre dispuesto a irse con la pobre Scarlett (cualquier novia si vería la ciencia ficción en ello) y como se tiene que entregar a la causa nuestra querida alienigena para poder llevarse a algún hombre sin familiares y amigos al huerto, en este caso una morada derruida que da muy mal rollo, dando pie a unas escenas muy potentes que comentaremos más abajo. 
Muchos son los anodinos rostros masculinos que aparecen y desaparecen durante todo el metraje, aprovechando esta búsqueda de carnaza para acentuar el carácter de radiografia de la humanidad, y no desde un punto de vista muy positivo precisamente, aunque hay momentos que arrojan algo de luz. 
Todo esta "misión" parece controlada por una especie de proxeneta ataviado de motorista, que es quien siempre vigila a la protagonista desde la lejanía con su imponente moto y un rostro inexpresivo. Pero no se sabe nada más, no va por ahí la historia...



Estamos ante una cinta de claro corte intimísta que nos dejará claro su estilo desde el primer fotograma. Haciendo que el espectador se quede atónito ante una hermosa obertura, muy conceptual, mostrándonos unas imágenes sugerentes y con cierto aire a "2001: una odisea en el espacio" que nos irá introduciendo poco a poco en lo que parece una aclimatación a un nuevo idioma y a un nuevo cuerpo. Terminando la adaptación cuando se forma el globo ocular, dando lugar a una mirada, la primera vez que esos ojos ven. Sin lugar a dudas el elemento clave de la película es esa mirada, que durante todo el film lo escruta todo incluso así misma, donde todo son preguntas.
Según el nivel de lectura bien es cierto que ella llega de otro planeta, pero también podría tratarse de un extranjero, un exiliado o un inmigrante. La trama es muy minimalista porque se opta por un gran desarrollo de la psique de la protagonista con una evolución bastante interesante, donde el recorrido marca el despertar de sus sentidos a nivel físico pero también le dan pie a la reflexión y al afloramiento de sus primeros sentimientos como humana. Siendo un vehículo perfecto para meternos en la piel de la protagonista, un ser que desconocemos absolutamente pero de quien llegamos a entender sus sentimientos con el paso de los minutos. Todo ello gracias en parte a los matices interpretativos de Scarlett Johansson, donde el gran acierto está en el casting, ya que ella de por sí es un icono para el público, alguien que no pasaría desapercibida, una persona diferente y que destaca sobre el gran número de rotos desconocidos que aparecen en la pantalla. 
Hay que destacar como siendo una película que su mayor parte está marcado por cierto costumbrismo, tiene momentos de autentico delirio visual. Buen ejemplo de ello es cada vez que ella se paga una nueva víctima, el espectador es testigo de excepción de ese ritual de apareamiento previo que da lugar a los momentos más impactantes de la película, rompiendo con el ritmo imperante y donde el director mejor refuerza el aspecto visual, demostrando que es un virtuoso de la imagen como ya hemos visto en más de uno de sus videoclips. Gracias a una puesta en escena manierista y en parte a un gran sentido del tiempo cinematográfico, un gran montaje de sonido y acompañado por una excepcional banda sonora compuesta por Mica Levi creando una autentica atmósfera irreal, una pesadilla sexual donde el hombre se acerca a cada paso a su final pero con una sonrisa de felicidad en el rosto.
Es muy interesante ver el comportamiento de una alienigena en un planeta que desconoce, donde ella es a priori la depredadora donde a su alrededor todo son presas. Una historia que tiene un giro fundamental a mitad de película que marcará la evolución final de nuestra protagonista pero que no está remarcado, es solo un detalle.


No es una película fácil de digerir, depende mucho de la predisposición del público, pero una vez que entras en el juego, este te atrapa por completo. Se toma su tiempo para transmitir la sensaciones adecuadas a cada momento, con escenas muy reflexivas que pueden hastiar al espectador más palomitero e incluso algún sector de la prensa especializada. Pero tiene su recompensa, gracias a una inmensa Johansson y a unas imágenes hipnóticas, muy estéticas que contrastan con las partes más naturalistas de viajes de carretera. Lo que importa en esta historia es la forma en que se cuenta, y ¡qué forma! Pero como todo viaje, el trayecto torna a su fin, y con ello el tiempo que compartimos con una extraterrestre de cuerpo voluptuoso concluye, no sin antes hacernos reflexionar sobre todo lo que le ha pasado en esta historia, que no es más que una mujer buscando entender el mundo, aunque no sea el suyo.

viernes, 5 de diciembre de 2014

Interstellar (2014) de Christopher Nolan

interstellar cartel

La verdad es que no es tarea fácil hablar de esta película. No solo por la complejidad del film en sí mismo sino por todo lo que trae detrás: la nueva propuesta de Christopher Nolan sobradamente conocido por su trilogía de "El caballero oscuro", y el primer gran blockbuster de la estrella de moda, el amigo Mathew MacConaughey. Además de ser un producción de gran envergadura a caballo entre ciencia ficción y aventuras que no está funcionando mal últimamente en Hollywood.

Todo un must.

Las expectativas altas suelen ser muy peligrosas, pero como al director británico parece que le estimulan los desafíos, el que firma está reseña se ha contagiado de ese espíritu dejándose llevar por una propuesta tan particular y arriesgada, descubriendo así una de las películas más estimulantes de este curso cinematográfico. Compleja, diferente, bella, caótica, y sobretodo emocionante.

La cinta nos presenta un futuro donde la especie humana vive en un planeta en extinción, la ciencia ha perdido toda su credibilidad y se fomenta a los jóvenes a trabajar la tierra. Cooper es un ex-ingeniero que ha tenido que reciclarse a tareas de granjero para poder sobrevivir junto con sus hijos.

Su vida sufre un vuelco cuando es reclutado por los últimos vestigios de la NASA, capitaneado por el profesor Brand interpretado por Michael Caine, para realizar una misión que solo Cooper puede llevar a cabo. Eso sí, bien asesorado por la cientifica Amelia, a la que da vida Anne Hathaway, junto con un grupo de exploradores encargados de llevar la tarea a buen termino. Entonces es cuando Cooper tiene que decidir entre estar con sus seres queridos en un mundo que se agota o abandonarlos para poder salvarlos a costa de un viaje de no retorno. Mola.

Una odisea espacial para salvar a la raza humana es un punto de partida más que interesante, que en manos de Nolan se convierte en todo un viaje iniciatico para la tripulación y que decir tiene, para el espectador, quién se quedará ojiplático en su recta final.

interstellar hathaway mcconaughey

Una epopeya en la que hay que buscar un planeta que sirva de alternativa para llevar allí a toda la humanidad. Una misión sin precedentes en la que la tripulación se encontrará con más de un obstáculo. La space opera definitiva, cargada de aventuras y conflictos entre personajes en un cosmos infinito de amenazas a su misión. Pero realmente el núcleo, la matriz de "Interstellar" no es sino la historia de un padre y de una hija, así de sencillo pero no menos complejo de lo que cabe esperar. 

Es la película del director británico, que sin lugar a dudas mejor conjuga su cerebro privilegiado con algo tan importante como es el corazón. A pesar de que se le suele tildar a veces de ser muy frío en sus propuestas, particularmente en esta cinta es en que ha sabido plasmar mejor los sentimientos, el amor a flor de piel (puede que este fuera el lastre de por ejemplo "Origen", donde cojeaba un poco la relación del protagonista con su esposa e hijos) y que realmente emociona gracias a esa maravillosa relación paterno-filial, ¿made in Spielberg? 

También aborda otros temas en mayor o menor medida, como son el paso del tiempo, las leyes de la robótica o la dicotomía entre ciencia y fe. Cabe destacar la pericia del director británico para favorecer de manera visual y fácil de entender esas ideas, de forma que el espectador pueda comprenderlo todo fácilmente. Así se ofrecen soluciones narrativas para nociones  tan complejas y abstractas como esos viajes por el espacio-tiempo, los agujeros de gusano, la cuarta dimensión y muchos más conceptos propios de la física que el espectador medio (en el que me incluyo) no entiende, para los que se han inspirado en los estudios científicos de Kip Thorne.  



Una historia muy basta y amplia, donde los personajes recorren planetas enteros pero donde lo importante es lo íntimo, lo pequeño, lo que hace grande a los seres humanos, más que el universo sideral, es su capacidad de amar y sacrificarse por quien amas. Conjugando muy bien lo épico con lo intimo, algo realmente difícil, como solo han hecho películas de la talla de "2001: una odisea en el espacio" o "El árbol de la vida", donde radica realmente la excelencia de la película.

Una vez más Nolan demuestra su buen hacer como director con una pericia operística abrumadora, una familiaridad tremenda en conjugar secuencias de montaje paralelas con gran significado, aportando un contenido mayor gracias a dicha permuta. Suele usarlo como recurso de forma habitual, pero es en esta película está dotado de más sentido que en el resto de su filmografía. La historia lo justifica, una búsqueda para salvar nuestro planeta, de lo que realmente subyace que Cooper quiere reencontrarse con su hija a toda costa.

Una exploración del universo para que un padre y una hija se encuentren en sentido metafórico. La verdadera acción que mueve la película, que irá in crecendo hasta alcanzar un prolongado climax. Un viaje alucinante.



Una fabula de ciencia ficción muy personal creada por los hermanos Nolan en la cual la fuerza emocional del relato (fundamental), con uno elenco de estrellas que cumplen muy bien su cometido; pero como en la mayoría de epopeyas, la historia siempre está por encima de sus personajes. 

Y no podría cerrar la crítica sin añadir que "Interstellar" no podría ser igual sino fuera por el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en sustitución Wally Pfister), gracias a caminos ya abiertos por otro maestro como es Emmanuel Lubezki, con un atmósfera espacial increíble, que nos deja sin aliento y una árido planeta Tierra, que nos recordara a otras películas post-apocalipticas. Un lienzo que gracias a una banda sonora espectacular que acompaña de forma muy orgánica, y un montaje invisible hacen de esta, una obra privilegiada a nivel artístico y técnico. 

Una película muy redonda, que a pesar de un excesivo empleo del lenguaje verbal y un uso muy hollywoodiense de las secuencias de acción (típicos aterrizajes forzosos, explosiones de todo tipo, peleas donde se agrieta el casco del astronauta,...), no empaña el resultado final, calando hasta lo más hondo de nuestras retinas, llegando a tocarnos con la punta de los dedos, gracias a ese final tan satisfactorio que no podía haber sido de otra manera: emocionándonos en este viaje de no retorno hacia nosotros mismos.


martes, 25 de noviembre de 2014

Batman: Strange Days (2014) de Bruce W. Timm

Como todos deberíais saber, recientemente ha sido el cumpleaños de Batman. 75 años del nacimiento de este icono creado por Bob Kane y Bill Finger en aquel maravilloso "Detective Comics # 27" publicado en 1939. Una fecha clave para todo fan del cómic, los videojuegos, el cine... y el entretenimiento en general, ¡porque este personaje ha traspasado su propio medio para llegar a todos nosotros! Casi nada.

Entre las muchas celebraciones (en EEUU of course), sentidos homenajes y números especiales, trasciende por méritos más que obvios el cortometraje Batman: Strange Days. Una joya creada por Warner/DC Comics para celebrar el aniversario del cruzado de la capa de mano del señor Bruce Timm. Creador de aquella mítica serie de animación de nombre Batman: The animated serie y por ende máxima influencia de toda la linea de animación de la compañía estadounidense.



Actualmente se ha editado un tomo recopilatorio con sus mejores historias para el cómic con su amigo Paul Dini en los guiones, bajo el título "Amor Loco y otras historias". Recomendadísimo. Bueno, eso... Seguimos... 
En el cortometraje en cuestión Bruce Timm nos cuenta una intrépida historia (que no necesita si quiera diálogos) donde nos sumergimos de lleno en un maravilloso universo desde su primera imagen, con una atmósfera tenebrosa propia de un film de la Universal, donde un monstruo secuestra a una fémina de platino en apuros para llevarla ante el malvado profesor Hugo Strange, considerado el primer villano de Batman por delante de iconos como El joker, Poison Ivy o Dos caras. De repente, hace acto de presencia nuestro héroe, con una imagen que no es la que estamos acostumbrados en la actualidad sino la de sus primeras andanzas por la historieta. Una lucha del bien contra el mal, que ya hemos visto en más de una ocasión (incluida lucha en un precipicio) pero estamos más que encantados de poder recuperar una vez más. Sobretodo si es con este dibujo, está gran animación y una banda sonora impecable que nos hará recaer a mas de uno en el visionado de la serie de dibujos que tanto nos hace añorar.
Es un claro homenaje que hará la boca agua a todo fan del hombre murciélago que conozcan algo de su mitología (¿Quién a estas alturas no tiene algún tipo de conocimiento sobre él?). Pocas más pretensiones, con un segmento tan breve donde prima la aventura y la trama es tan minimalista pero al fin y al cabo, ¿no es esto un aniversario? Una celebración en el que se agradece un regalo como este.

Aquí tenéis el cortometraje. Paladeadlo como el buen vino porque son solo tres minutos, es un trago muy corto.



domingo, 23 de noviembre de 2014

La Comedia de Terror: Una Introducción

Puede que tanto el género de terror como el de comedia sean dos de los pocos que podrían sobrevivir perfectamente a un holocausto cinematográfico. Muy difícil es mirar la cartelera y no encontrar como mínimo uno de los dos entre los productos que se te ofrecen en ella. Aunque bien es cierto que en los últimos años y cada vez con más frecuencia el género de terror, uno de los más primigenios y a tener en cuenta del séptimo arte esta sufriendo un apaleamiento masivo injustificado tanto por parte de la crítica como de las distribuidoras. 

Pero eso amigos y amigas es otro tema del que quien sabe si hablaremos algún día... De lo que si hablaremos hoy será de la fusión entre ambos, ese híbrido que si se da de forma correcta puede ofrecernos un auténtico espectáculo tirando más, eso si, a la carcajada que a los temblores. Y eso que los elementos se pueden repartir equitativamente entre los dos potenciando las virtudes del humor (en general negro) en un escenario terrorífico o ridiculizando los ingredientes tipo de una producción de terror hasta tal punto de darles gracia.




Más sangre por favor

Uno de los recursos más injertados en esta simbiosis es sin duda el gore. Llevar al límite las secuencias splatter hasta tal punto que el festín de sangre se convierta en un desfase tal en la pantalla que poco a poco la comedia se vaya apoderando de la sensación insana que puede dar, por ejemplo, una masacre con un cortador de césped. Si, lo sé, todos estáis ya pensando en Braindead (1992) y eso que yo antes de comenzar a escribir estas líneas no quería caer en el tópico y obviar el film de Peter Jackson, pero como buena obra maestra tuvo que terminar apareciendo. Otro de los ejemplos donde el gore es llevado hasta el extremo cómico es la bastante más reciente Tucker & Dale vs. Evil (2010) donde se juega con la comedia romántica y se hecha mano de los rednecks de la américa profunda. Un inteligente método para acertar en este curioso subgénero.




Clásicos pasados por el filtro de la risa

Una genial manera de llegar a todo tipo de público con una propuesta de estas características es utilizando los iconos ya conocidos por el público generalizado y llevándolos al terreno que se requiere. Utilizando por ejemplo monstruos y personajes clásicos como en la genial El Jovencito Frankenstein (1974) en la que mediante una trama y unos diálogos sensacionales se consigue dar una vuela de tuerca al destino de un personaje tan de culto como es el que creó Mary Shelley. Otro ejemplo lo hallamos en el film de revelador título La Comedia de los Terrores (1963) donde muy astutamente se contrató a varios referentes del terror de la época como gancho para nutrirse en la producción tales como Vincent Price, Peter Lorre o Boris Karloff dando de nuevo un giro con una trama y unos roles atípicos en sus carreras. 




Humor Gótico

Como afirmaba líneas atrás, la mezcla acertada de elementos de un género a otro es vital para el correcto funcionamiento de una comedia de terror. Otra de las formas en la que podemos visionarlo es incrustando personajes estereotipados pero llevados al límite para que funcionen de manera cómica. Algo así como lo que ocurría con el gore pero llevado a cabo con los personajes de la película. Adulterando las características principales de los protagonistas a si como los lugares donde residen podemos encontrarnos con perlas como Bitelchus (1988) o La Familia Addams (1991) que entrelazan la atmósfera y las localizaciones góticas y oscuras con argumentos jocosos y en ocasiones semi-infantiles, siempre construidos con elementos propios de la comedia tales como diálogos ingeniosos y un diseño de personajes tirando a lo divertido.




Acción y Aventuras

Otro de los estereotipos con los que podemos toparnos dentro del terreno de la comedia de terror es aquel que incluye de manera masiva en sus argumentos acción, aventuras e incluso a veces fantasía. Las tramas que mejor suelen funcionar en este aspecto son aquellas que tiran por lo sobrenatural, tales como apariciones del más allá o invasiones alienígenas. Tienden a funcionar bastante bien en taquilla, claro ejemplo de ello son las archiconocidas Men in Black (1997) y sus secuelas, Mars Attacks! (1996) o la más añeja Los Cazafantasmas (1984), todas ellas con un tono familiar notable.




  












Secuelas - Parodia

No siempre ocurre pero en alguna ocasión, después de que un film de terror sea exitoso a nivel comercial se busca un impacto en forma de secuela esperando una reacción jugosa del público. Muy de moda en los años ochenta los argumentos o bien continúan la historia de la primera parte o bien la re-hacen de manera más humorística. La reacción de los fans varía bastante pero en general no suelen ser aceptadas, por lo menos, como la secuela oficial del film que les precede. En este campo destacan la chusca y divertida La Matanza de Texas 2 (1986) o la nueva y desternillante revisión al universo creado por Sam Raimi con Evil Dead 2: Terrorificamente Muertos (1987). 





Comedia de Terror Cañí

Nuestro país no se ha librado de esta tendencia y ya en los ochenta (década que sirvió para probar este formato) comenzó a cruzar historias y personajes terroríficos con el humor hispano de manera más o menos acertada. Buenas noches, señor monstruo (1982) se nutrió de una idea que se llevo a cabo décadas atrás y que antes comentábamos con La Comedia de los Terrores. Utilizando personajes icónicos e incluso siendo interpretados por auténticas leyendas del género tales como Paul Naschy en su habitual rol de hombre lobo español. Más tarde, los inicios del ya cineasta de culto Álex de la Iglesia estuvieron marcados sin duda por la comedia de terror gamberra, con altas dosis de humor negro y violencia, véase Acción Mutante (1993) o El Día de la Bestia (1995) aunque tampoco se ha desviado demasiado de estas pautas hasta la actualidad. Como último referente citar a Álvaro Sáinz de Heredia que se alimentaba de repartos ampliamente conocidos, rostros fáciles de identificar en la España de la época ya que sus intervenciones humorísticas en televisión estaban a la orden del día. De estas uniones salió Aquí huele a muerto... (¡pues yo no he sido!) (1990) con el famoso dúo de comediantes Martes y Trece o la recomendabilísima Brácula. Condemor II (1997) con el Chiquito de la Calzada interpretando al vampiro más famoso de la historia.








     









Por el momento el viaje ha sido hasta aquí. Y ya saben, si alguna vez dudan sobre que visionar o no les apetece un extremo tanto terrorífico como hilarante no lo piensen más, busquen el nada despreciable mundo de la comedia de terror, al menos ya tiene algo donde elegir.

jueves, 13 de noviembre de 2014

Perdida (2014) de David Fincher



Llegó el esperado día. Por fin, hemos visto Perdida, una de las cintas más esperadas de la temporada cinematográfica, y ¡hoy os lo vamos a contar!
La película tiene un arranque prometedor, con un prólogo en forma de un plano único de la nuca de nuestra protagonista que encierra muchas de las claves de la historia. ¿Quién es esta extraña pareja?
Un buen día, Nick Dunne (Ben Affleck) vuelve a casa del trabajo y descubre que ha desaparecido su mujer, Amy (Rosemund Pike). Rápidamente se pone en contacto con las autoridades, arrancando así la maquinaria policial que llevará el caso. Durante el desarrollo de la investigación una serie de pistas apuntará directamente al propio Nick como asesino.

La adaptación de Gone Girl por parte de David Fincher, es una versión muy fiel a la novela. Algo esperado teniendo encuenta que la guionista es la propia autora. Gillian Flynn no tiene ningún reparo en respetar su estructura literaria e incluso dar uso de los diálogos para que no nos perdamos la literalidad de la fuente original, solo eliminando momentos puntuales que no son estrictamente necesarios, pero que en opinión del que escribe podrían aclarar ciertos detalles fundamentales sobre la personalidad de Amy. Flynn va directamente al grano, sin rodeos a pesar de la más de dos horas de duración pero que con la mano experta de Fincher se pasa en un suspiro. Una historia con un giro sorprendente a mitad de la cinta que hará que la ames o que la odies.



Estamos ante una obra que mezcla varios temas interesantes a destacar, como son la crítica a los medios de comunicación y por ende al influenciable índice de audiencia que es la sociedad a la que pertenecemos. Lo que nos lleva a descubrir dos puntos de vista muy marcados en la película: Como se vé uno mismo ante la adversidad y como te ven los demás. Lo que queda muy bien reflejado en ambos papeles del matrimonio protagonista donde el espectador descubre la parte privada y la parte pública de cada personaje. Y como no, todo esto envuelto en un paquete de thriller policíaco (lo que realmente vende la película) en el que tan agusto se desenvuelve el director... Pero realmente, si lo pensamos bien... y vamos al quid de la cuestión, ¿qué es Perdida? Pues ni más ni menos que una historia de amor... así de sencillo. Llevada al extremo, pero una love story al fin y al cabo, con un esquema clásico: 

Chico conoce chica. Chico pierde chica. ¿Y chico la recupera?

Es sin lugar a dudas un gran mosaico de los entresijos de un matrimonio, como bien puede ser cierto díptico de Ingmar Bergman, donde observamos gracias a acertadas elipsis las distintas etapas por las que pasa toda relación desde el primer acercamiento hasta la pedida de mano y la posterior vida conjunta. Todo está dotado de un cierto tono satírico que explota en el último tercio en forma de comedía negra (sí, sí, lo que oyen) que está ahí latente desde los primeros compases de la cinta.

Destacamos el buen hacer del director americano, como suele ser habitual en él, narrando la historia con mucho pulso, de manera firme y elegante con una planifación impecable. Maestro del encuadre perfecto, aunque esta vez sin grandes alardes visuales sobretodo teniendo encuenta que empezó su carrera en el mundo del videoclip, muy al estilo de "Zodiac" o "La red social"(si obviamos la famosa secuencia de la regatas, claro).


Una de la obra más importanes de este curso cinematográfico, que hará las delicias de los fans del director estaudounidense, con un acertado casting donde brillan con luz propia Ben Affleck y Rosamund Pike, en lo que vaticinamos que será su primer gran personaje. Cada uno con una mirada extraña, misteriosa. Hay algo oculto tras sus ojos y no sabemos el qué. Un interrogante a descifrar. 

Nada es lo que parece. Ni siquiera tu pareja... perdida.

lunes, 3 de noviembre de 2014

Camino de ida y vuelta

Es el primer género cinematográfico, puramente estadounidense como el día de acción de gracias, el béisbol, los hot dogs o Michelle Obama. Surgido a raíz de los asaltantes de aquel mudo tren dirigido de Edwin S. Porter en 1903, que terminaba interpelando con una pistola apuntando al mismísimo respetable. Un mirada única, salvaje, moderna, radical: 
El western.

Asalto y Robo de un tren, 1903 Dirección: Edwin S. Porter

Siendo Estados Unidos un país con tan corta vida, no posee las antiguas tradiciones o historias tan ricas como pueden ser las del viejo continente, pero es verdad que no les hizo falta… al menos al principio.

Decadas después desde la cultura cinéfila de Italia surge un salvaje oeste diferente, satírico, violento y operístico llamado Spaguetti. Peliculas como "Le llamaban Trinidad", "La venganza es un plato que se sirve frio", "Django" o la famosa trilogia del dólar de Sergio Leone reflejan perfectamente el carácter de este género considerado "menor" que tuvo mucho éxito en la década de los 60.

Es curioso como años después son los propios estadounideses los que rinde homenaje al Spaguetti a través del arquetipo de antihéroe encarnado por un actor americano que migró al mediterraneo para convertirse en una estrella,  estamos hablando de Clint Eastwood. La cinta fue "Dos mulas y una mujer", una joyita dirigida bajo la batuta de uno de los mejores directores de acción de la época, el señor Don Siegel.

Dos mulas y una mujer, 1970 Dirección: Don Siegel

Esto es un camino de ida y vuelta, con muchas curvas, donde las cinematografías se miran la una a la otra, porque no importa de donde sea Shakespeare ni lo que significa ser un Ronin, el celuloide no entiende de naciones sino de historias.

sábado, 1 de noviembre de 2014

Comic: Ojo de Halcón - Seis dias en la vida de...



Puede, solo puede que llegue un poco tarde para reseñar el arranque del mejor Ojo de Halcón/Clint Barton de mano de las mentes de Matt Fraction y David Aja (además de la colaboración puntual de Javier Pulido). Sobretodo porque en España vamos por el segundo tomo, pero debido a su lento ritmo de publicación podré estar a la altura del reto de cubrir la serie (o más me vale).

Así, a primera vista lo realmente destacable es el título de la serie que se descubre como un elemento clave. No por ser la aventura en solitario del arquero marvelita sino porque realmente no trata del superheroe en cuestión sino del hombre que hay tras la máscara: Clint Barton, un personaje de la calle que poco o nada tiene que ver con su alterego vengador.
Apenas en un par de viñetas tiene su traje y el arco se limita a momentos concretos donde prima la acción. Incluso se parodia a sí mismo con momentos delirantes donde reside el mayor acierto de la serie, desmitificando el concepto de superheroe sobretodo teniendo claro que él no tiene ninguna cualidad excepcional salvo la puntería. Esto quizás este llevado al extremo convirtiendo a nuestro protagonista en todo un "looser" dandole una peliza si y otra también número tras número, y no se enfrenta precisamente a Skrulls sino a delincuentes de tres al cuarto con cierto acento extranjero y un gusto cuestionable por el chandal Adidas, algo raro para alguien que ha luchado contra Galactus y otras amenazas a nivel interplanetario. Pero este no es ese personaje. A pesar de todo el bueno de Clint cuenta con nuestra simpatía ya que le vemos esforzarse en su batalla diaria con lo cotidiano, una persona de a pie, con los mismos problemas que nosotros (marca de la casa en Marvel desde tiempos de Stan Lee).

La primera viñeta de Hawkeye #1 USA

El estilo de la colección queda marcado a fuego desde la primera página:
Nos encontramos a Ojo de halcón cayendo de un edificio en postura heróica, en una acción vista miles de veces en otros comics de superheroes pero con la salvedad de que al no conseguir sujetarse a ningun resquicio del edificio cae al vacío, chocando estrepitosamente sobre un coche y terminando varios meses hospitalizado. Dejando clara la premisa: Clint es un hombre de carne y hueso.

Y como toda persona corriente no se encuentra nunca del todo solo, todo lo contrario (y más viviendo en Nueva York). Tiene todo un elenco de secundarios de lujo, desde la genial compañera de aventuras Kate Bishop proveniente de Los jovenes vengadores, pasando por sus divertidos y variopintos compañeros de edificio además de importantes cameos de Nick Furia y Tony Stark. Mención aparte se merece su mascota, Fortu. Un perro amante de las pizzas que es ayudado por Clint y que sirve para abrir el excelente primer número de la serie.

Se puede decir que se está convirtiendo en una "moda" este tipo de propuestas, a raíz de los frutos sembrados por el Daredevil de Mark Waid. Descubriendo el lado más simpático de los heroes primando la luz sobre la oscuridad. Quitandole carga dramática y mostrando una vertiente que hace que el lector disfrute de una lectura amable y que no le genere excesivo poso. Ejemplos como la nueva colección de Hulka o los FF del propio Fraction dan testimonio de esta vertiente que está funcionando tan bien en el mainstream comiquero. De todas formas no hay que desdeñar el sentido lúdico de la propuesta pero también es verdad que este es solo el arranque de la colección, veremos en que derroteros andara nuestro arquero favorito aunque ahí queda un ligero atisbo de su cruzada contra el mal a modo de mapa con las misiones a cumplir.

A pesar de todo, no nos olvidemos que estamos ante una serie de Marvel que sabe discurrir de forma fresca e innovadora por un género como este,(bastante estancado por cierto) jugando con conceptos como la sitcom, los videos juegos, aventuras y sustentado en la carisma de su protagonista, a pesar de no ser el Ojo de Halcón que ya conocemos pero que no echamos de menos.  

En definitiva un comic muy bien narrado gracias a un Aja sobradísimo, que juega mucho con los diseños de página nunca visto en comics de corte superheroico. Donde la historia queda eclipsada por la manera de contar del dibujante español. Algo parecido pasa pero en menor medida con los números dibujados por Javier Pulido.



Una serie de gran éxito que esperemos que aguante a su equipo creativo porque son los que sostienen el proyecto con su creatividad y buen hacer, dejando claro que esta arriesgada propuesta da en el blanco con un tiro certero.

lunes, 27 de octubre de 2014

Relatos Salvajes (2014) de Damián Szifrón


Hay límites, normas impuestas por la sociedad o por la ética que uno mismo se aplica en lo referente a hacer lo correcto, (o lo que creemos que lo es) en el mundo en el que vivimos, pero... ¿Hasta dónde estas dispuestos a mantener la calma ante la tiranía de lo cotidiano?¿ Cuanto serás capaz de soportar esa axfisiante opresión día tras día? 

Llegará un momento en el que no puedas más y entonces... BOOM!...

Te verás convertido en algo que no eres (o tienes guardado muy dentro). Encontrarte con tu lado más extremo, visceral y salvaje. Ese estado catárquico, en el que incluso gozas perdiendo el control, disfrutas por primera vez en tu monotona vida de la libertad.
Este es el punto de partida de la pelicula del joven director Damián Szifrón, famoso creador de la serie "Los simuladores". 

 "El más fuerte" protagonizado por Leonardo Sbaraglia.

Nos encontramos ante una producción hispano-agentina formada por episodios breves, inspirados claramente en "Cuentos asombrosos" y "Alfred Hitchcock presenta...". Cada uno de ellos tiene un personaje común y corriente, como cualquiera de nosotros, que se ve envuelto por unas circunstancias que le oprimen hasta llevarle al extremo, para finalmente explotar en sentido metafórico o literal dependiendo de la historia.

"Las ratas" o como una cena puede no sentarte muy bien.

La cinta está dividida en cinco fragmentos o relatos que son: Pasternak, Las ratas, El más fuerte, Bombita, La propuesta y Hasta que la muerte nos separe. Historias todas ellas encabezadas por un reparto de excepción entre los que nos encontramos a un frustrado Ricardo Darín realizando una interpretación muy "contenida" de un ingeniero experto en explosivos. Un indignado Leonardo Sbaraglia llevado al extremo por un coche que no le dejar adelantar cerrandole el paso en una carretera con cierto eco a "El diablo sobre ruedas", y Érica Rivas, la gran revelación de la película, interpretando a una chica celosa, insegura y complicada que no parará ni el día de su boda al descubrir que una atractiva  desconocida coquetea con su reciente marido el mísmisimo día de su boda. El fragmento más extremo, desfasado y violento de esta antología, que siembra risas incómodas a los espectadores. Una verdadera fiesta. La tarta perfecta para cerrar la película.

Érica Rivas en uno de los momentos más delirantes de la película.
Unos relatos en clave de comedia negra con crítica social donde el titulo no engaña. Divertida, feroz, desenfrenada, hará que tu corazón lata a mil por hora y te mantendrá pegado a la butaca hasta el final del viaje. Una propuesta diferente que nos hará pensar en que sociedad vivimos. No tiene desperdicio. Es una delicia el poder perderse en este salvaje frenesí y olvidarnos por ciento veintidós minutos de una actitud racional y conservadora.

martes, 14 de octubre de 2014

Cinco claves de la última edición del Festival de Sitges


Ay Sitges... bendito festival allí donde los haya. Un auténtico templo donde los cinéfilos y cinéfagos más desprestigiados se reúnen una vez al año en la bella localidad costera catalana que le presta su nombre para disfrutar de las mejores propuestas del género rey: el fantástico. 

Si bien es cierto que con el paso de los años el festival se ha ido gafapasteando haciendo incomprensibles selecciones de films o incluso dando por ganadoras a películas que poco o nada tienen que ver con el cine de terror o fantástico. Justo esta última edición, la 47ª ni más ni menos, que apenas hace dos días que nos ha dejado, ha servido para rememorar y volver a incluir, casi en su totalidad, una programación más que digna en el festival. 

El flamante creador de este espacio web se ha interesado por la naturaleza del festival y aprovechando que uno de sus esbirros (yo) acudió al mismo, me invitó muy amablemente a daros a conocer las cinco claves (según yo) de la última edición. Ahí van:

1. Suculenta mezcla de cine comercial e independiente

Por que no tienen por que estar reñidos. Puede que Sitges sea uno de los festivales donde mejor se vea este contraste y este año no ha podido ser menos. Con propuestas mainstreams como "Rec 4" o "Autómata" a cintas totalmente independientes o solo aptas para paladares exquisitos como "Zombeavers" o "I Survived a Zombie Holocaust" habiendo también espacio para las medias tintas, véase "The Babadook". Otro de los alicientes es que podemos degustar cintas de casi todas las nacionalidades y por 
consiguiente hacer placenteros descubrimientos patrios.



                               




2. Sesiones Gratuitas

La sección "Brigadoon", una a las que más culto se les rinde en el festival, ofrece durante la semana varias proyecciones de carácter gratuito, con películas curiosas y en las que se respira un ambientazo de devoción por el fantástico. Sesiones totalmente recomendables y una gran iniciativa para que todos se diviertan casi en familia.




3. Cortometajes


Que a nadie se le olvide que para que el festival y el género tengan futuro y sigan creciendo tienen que seguir saliendo realizadores con talento y ganas. En Sitges se les ofrece la oportunidad a varios de poder presentar en sociedad su proyecto y que sea visto en un lugar privilegiado. Propuesta totalmente de agradecer.






4. Actividades Paralelas

Y no todo iban a ser proyecciones. Sitges da la oportunidad de acudir a eventos, que siempre relacionados con el cine del festival, suponen un amable entretenimiento. Master clases de grandes personalidades, exposiciones o presentaciones de libros e incluso desfiles zombie son solo algunos de los ejemplos a los que poder acudir para tomarse un descanso de la gran pantalla sin llegar a desconectar del fantástico mundo del festival.





5. Ambiente

Por último y casi lo mas obligado en un festival y que por desgracia no todos lo tienen, es el buen ambiente, el respeto y la cordialidad entre los asistentes, organizadores, realizadores, invitados y colaboradores. Y de esto amigos, el festival de Sitges va sobrado. 



No lo duden señores, si son asiduos del festival no dejen de serlo y sino, no dejen de darle una oportunidad. Experiencia a la que acceder, como mínimo, una vez en la vida.





sábado, 4 de octubre de 2014

Manual de Supervivencia para Cinéfagos


¿Qué es un cinéfago? ¿Cómo puedo llegar a serlo? ¿Cuáles son los títulos esenciales? 

Si sientes un apetito insaciable que se apodera de ti y te obliga a no parar de devorar películas a un ritmo desenfrenado, sin dar tregua a tus retinas, ¡enhorabuena! No eres un simple cinéfilo. Asciendes al nuevo nivel: el cinéfago.

No es sólo cuestión de apetito sino también de paladar(o en este caso, ausencia de él). Un buen cinéfago no consume un determinado tipo de cine, consume TODO el cine. Sin criterio alguno y sin orden establecido. Fagocita todo lo que se pone a su alcance, sin ton ni son. Sin respeto a un género en particular, deglutiendo cinematografías enteras.
Si quieres serlo, o ya lo eres y quieres demostrárselo al mundo puede (sólo puede) que este sea un libro para ti: un itinerario, una guía de carreteras por la que viajarás por todo tipo de géneros, subgéneros y demás ramificaciones de la ciencia ficción, el terror, el western o el musical (bueno, éste no, puede que para el siguiente libro...).

Timi Abad e Ignacio López se nutren de este hambre de cine para crear un libro ingenioso y casi único donde las listas se suceden descaradamente mostrando el ranking de las mejores cintas de cada subgénero y desgranando el porqué se merecen el estatus en ese listado. 
De las mejores peliculas de slasher a las mejores peliculas de superhéroes, los mejores giallos, las Foud footage o las muy-de-moda películas de tiburones asesinos o sharkplotation. Todo ello con descaro y buen sentido del humor, ¿cómo si no se puede abordar las cinco mejores películas de pirañas asesinas o reseñar a la Troma?

La novia de Frankestein, James Whale, 1935

No toda la gloria va a ser para los autores. Este libro va más allá de sus propios egos, contando con el prólogo de Miguel Juan Payán (Acción) así como colaboraciones de todo tipo de especialistas en la materia como Paco Fox (Canal + Xtra), Ángel Mora (Artistic Metropol), Diego López (El buque maldito), Cacaman (CineCutre) y muchos más.

Hoy, día 4 de octubre a las 16.00 horas, se presentará en el Festival de Sitges en el espacio FNAC y a partir de entonces estará disponible en las estanterías de las mejores librerias españolas. Para los que no puedan acudir a dicha cita y para ir abriendo el apetito tanto de veteranos como de neofitos cinéfagos, vamos a tentar vuestro paladar con el booktrailer de nuestro "Manual" favorito.

domingo, 28 de septiembre de 2014

Killer Pizza



Entretenida lectura para los nostálgicos de R.L. Stine


Nunca sabré donde está la delgada línea que separa la novela juvenil de la adulta, ni que ingredientes tienen que tener para formar parte de uno u otro concepto. Pero intentando imaginar, estoy seguro de que "Killer Pizza" viviría en esa línea.

Greg Taylor es el autor tras la obra. Un conocido guionista de cine familiar, responsable entre otras de "Jumanji" (1995), la joya noventera protagonizada por el recientemente fallecido Robin Williams. Taylor escribe una novela más larga de lo normal para este tipo de producto por lo que le es difícil primero encontrar el tono de la misma y después mantenerlo durante todo el escrito. Aún así da forma a un producto notable. 

Toby Magill sueña con convertirse en un chef famoso. Así que cuando consigue trabajo en Killer Pizza le parece que todo va viento en popa. Pero pronto descubre que esa pizzería es solo una tapadera para una organización que se dedica a cazar monstruos.



Tirando mucho en atmósfera y contenidos por las novelas de "Pesadillas", del mítico escritor neoyorkino R.L. Stine, que además se presta para publicitar el libro con una ingeniosa y bien traída frase promocional, que podéis leer en su solapa. De estas novelas, que se leían fácil en una tarde, coge prestado varios elementos. El tipo de narración en primera persona, el adolescente protagonista que se ve inmerso en un mundo fantástico al que tiene que hacer frente y la relación con el resto de personajes. Con bastante más acción y aventuras que estas publicaciones Greg Taylor, entretiene y divierte a partes iguales y lo más importante, engancha y es rápido de leer. Tal vez peque de una narración y un desarrollo sencillo, pero en eso también radica parte de su encanto semi infantiloide y ameno. 



Decir que tiene una secuela titulada "Killer Pizza: The Slice" la cual no he tenido el gusto de leer (aunque ganas no me faltan) y que aún no se ha traducido a nuestro maravilloso idioma.

Para finalizar añadir que se está poniendo en marcha adaptación cinematográfica del libro. En principio correría cargo de Adam Green, el talentoso director de "Hatchet" (2007) y contaría con Chris Columbus como productor "Jumanji"(that´s suspicious) y con el mismo Greg Taylor como adaptador del relato a formato guión. Esperemos verlo lo más pronto posible.

sábado, 27 de septiembre de 2014

Perdida (Gone Girl) de Gillian Flynn a David Fincher

perdida gone girl


Pocas veces me acerco a una novela sin saber nada de ella. Leer este o aquel libro siempre viene precedido de una búsqueda, motivada en su mayor parte por querer conocer la historia, el autor y la crítica de la futura novela a ocupar ese espacio mágico que hay entre el despertador y las gafas de leer en mi mesilla de noche. Y no es fácil.

En este caso, las excusas para hacerme con la tercera novela de Gillian Flynn se deben a su éxito de ventas en Estados Unidos donde se ha convertido en todo un fenómeno literario (desbancando al mismísimo "Cincuenta sombras de Grey"); al buen hacer de su escritora a edad precaria ganadora del premio Fleeming Steel Dagger, denominada como la nueva Patricia Highsmith; y en último lugar, la adaptación cinematográfica de la mano de David Fincher, todo un maestro del thriller moderno.

Todo esto sumado al retorno de un género al que solo acudo en contadas ocasiones y especialmente tirando de clásicos. Nunca me la juego. Como en ciencia ficción.

A España llega sin hacer demasiado ruido (eso cambiará cuando la portada sea la misma que la de la película) de la mano de la editoral de Rodrigo Fresán “Roja & negra” centrada en dar cabida a la novela negra contemporánea lejos de los terrenos nórdicos de RBA que tantos éxitos tienen en la actualidad.

Centrándonos en la obra, nos encontramos a una Flynn que nos propone una de esas historias sencillas, que todos conocemos y ¿amamos?... de: chico-conoce-chica, pero que sirve como vehículo para introducirnos el misterio de la desaparición que da título a la obra en sentido simbólico y literal. Un love story teñido de noir donde nada es lo que parece y donde en cada página encontrarás un nuevo rincón sin explorar del matrimonio Dunne y una nueva pista sobre el caso de Amy.

Estructura muy marcada ordenada por capítulos donde se alternan los protagonistas, para adoptar la mirada de cada uno y tener una perspectiva más global de toda la historia.

Por una parte tenemos a Nick en el presente. Es el marido introvertido, adúltero, desencantado y marcado por la negativa influencia de su padre. Nick pierde su trabajo y decide volver a su pueblo a montar un bar con su hermana Go. Punto de inflexión en la pareja.

Por otra parte Amy, narrando en pasado a través de un diario desaparecido. Ella es su mujer; una niña rica, atractiva y con éxito que encontró en Nick al hombre de sus sueños. No le gusta ser ama de casa, pero se sacrifica por el bien de la pareja. Nos cuenta su pasado y poco a poco vamos conociendo sus circunstancias y la manera en que éstas no concuerdan del todo con el punto de vista de Nick.

La edición española de Perdida (Gone girl). Roja & Negra 2013

Todo esto con un sentido muy naturalista que con el paso de los capítulos va dejando de lado la novela romántica, oscureciéndose hasta mostrar el lado más macabro y visceral de la vida en pareja. La clave de la historia sin duda está en esa evolución no solo en cuanto a género literario sino también en la propia relación de pareja, ese paso del amor al odio e incluso al temor de la persona que duerme a tu lado en la cama, lo queda patente en una de las frases más significativas de la novela, fudamental en una pareja que va a la deriva, que se repiten una y otra vez nuestros protagonistas: ¿Cómo hemos podido llegar a esto?.

Aparentemente no se trata de una historia muy novedosa pero en parte su éxito se debe a una narrativa ágil cargada de diálogos en la que no paras de leer hasta llegar a los agradecimientos, basada en dos géneros que se complementan con valentía y perfección como es la novela rosa y la negra creando un híbrido que hará las delicias de ambos tipos de lectores que sin lugar a dudas querrán encontrar a Amy Elliot Dunne, la "Asombrosa" Amy, nuestra chica perdida.

Pero no podemos pasar por alto, lo que ocurre con cada novela de éxito y uno de los motivos por los que me decidí a abrir la primera pagina de "Perdida", y es sin duda la adaptación cinematográfica. ¿Será fiel al estilo narrativo de la novela? ¿Será capaz de retratar a la perfección el binomio protagonista? No cabe duda de la calidad que imprime Fincher en sus obras pero nos queda la duda de la manera en que estará contada. Será complaciente con los lectores de la novela o buscará una vuelta más a esta intrincada historia. Según algunas declaraciones de la mismísima Gillian Flynn se ha cambiado el final para hacerlo más cinematográfico, así que alicientes no nos faltan a la hora de ir a las mejores salas y comenzar la busqueda de Amy en el celuloide.


A continuación el trailer del largometraje que se estrenará en España el 10 de octubre protagonizada por Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Tyler Perry, Kim Dickens, Patrick Fugit, Carrie Coon, Missi Pyle, Kathleen Rose Perkins y Scoot NcNairy.

miércoles, 24 de septiembre de 2014

Nunca es tarde: Cabin Fever (2002) de Eli Roth


De diversión, gore y óperas primas


Acababa de comenzar el nuevo siglo y era inminente la llegada de nuevos realizadores de género. Sangre fresca que le diera al terror un lavado de cara y ofreciera al espectador más fiel un producto diferente. Eso es lo que intento hacer Eli Roth con su "Cabin Fever", aunque el planteamiento fuera el clásico. El responsable de "Hostel" (pelotazo definitivo de Roth con Tarantino a sus espaldas) dirige y co-escribe junto a Randy Pearlstein una historia ochentera, en la que se cuenta como un grupo de cinco jóvenes amigos pierden los estribos cuando resultan contagiados por un virus letal en lo profundo de un bosque. 



Si, el aroma a "Viernes 13" (1980) o a "Posesión Infernal" (1981) impregna toda la cinta y no se lo quita nadie, pero no solo se queda ahí, no es el típico "homenaje" a los tiempos pasados que tanto vemos en el cine de terror hoy en día. "Cabin Fever" es mucho más. Es una ópera prima desenfadada, y eso no quiere decir mal realizada, más que decente. Vale que otros lo hicieron mucho mejor con los mismos o menos medios, véase Peter Jackson con "Mal Gusto" (1987) o Sam Raimi con la ya citada "Evil Dead" (1981) pero al revés que la mayoría de veces, la primogénita de Roth no pasó desapercibida.  Por algo sería... 



En principio cuenta con todo lo necesario para el correcto desarrollo de un producto B de terror splatter. Un escenario alejado y oscuro, unos protagonistas de bajo nivel mental y una amenaza a la que parece no poderse hacer nada para redimirla. Con todo ello el fandom ya estaría contento con la cinta. 

Para los más exigentes, llega la particularidad; la intención de discurso que parece tener entre líneas la película. Un discurso denuncia contra la injusticia y el rechazo en la sociedad. Rechazo por el más débil o por el que parece estar perdido y condenado en la vida usando al virus causante de la pandemia como símbolo del mal. 



Diversión a chorros y gore a borbotones en una ópera prima hecha con cariño hacia el género, pero que no rechaza tener un sello personal sin obviar las pretensiones comerciales necesarias para poder vender la película, que en el fondo es de lo que se trata esto ¿no?

Para los que quieran más decir que Roth (que hace además un pequeño papel en el film) inició sin quererlo una trilogía. La segunda parte es una alocada comedia de terror gore que la mayoría de seguidores no entendió. Data de 2009 y corrió a cargo de Ti West. La tercera y última hasta el momento se engendró con el nombre de "Cabin Fever: Patient Zero" (2014) de Kaare Andrews y puede que se trate con diferencia de la más completa del trío de las portadas calaverianas. 

¡Disfrutenlas!