viernes, 30 de octubre de 2015

El último trabajo de Xavier Dolan es el videoclip de Adele: Hello

Después del éxito de nuestra anterior entrada que mezclaba cine y música a ritmo de The Chemical Brothers y Michel Gondry, hoy os traemos algo similar pero con unos autores totalmente distintos.

Los jóvenes talentos vienen pisando fuerte y un gran ejemplo de ello son Xavier Dolan y la cantante Adele, destacando desde hace algunos años, cada uno en su terreno.
Dolan es el enfant terrible del cine canadiense, moderno, detestable (a veces), y con un estilo propio gracias a una estética muy cuidada. Un nostálgico con rasgos de la nouvelle vague en el siglo XXI. Suyas son peliculas como Mommy o Yo maté a mi madre, joyas que muestran una madurez inusitada para su edad, con temas profundos, siempre reflexivo y con unos contenidos que te sacuden por dentro.

Xavier Dolan director

Por otra parte, desde que la cantante británica recibió el Oscar a Mejor Canción por Skyfall, (el tema principal de la última aventura hasta la fecha del agente 007), no se ha prodigado mucho. Tras un parón demasiado dilatado, vuelve con las pilas cargadas, presentado su primer sencillo: Hello, primer corte de 25, su nuevo disco.


Para rodar el videoclip se unió al director de Los amores imaginarios, quien ya había realizado un trabajo sencacional en aquella triste y cruda canción de Indochine. Una muestra más de que es un brillante director además de tener muy buen oído musical (uno de los rasgos de su filmografía es cierto carácter melomano). 

Hello habla por sí solo, es un tema con todos los elementos que hacen de Adele una de las divas de la canción moderna, con una historia muy intimísta y una melodía que se te queda grabado, sin duda el éxito está garantizado.


lunes, 26 de octubre de 2015

Amores minúsculos: del cómic al teatro

cartel teatro amores minúsculos
Vía: amoresminusculos.com

Después del éxito cosechado la pasada campaña, vuelven Amores minúsculos, una de las obras más estimulantes del panorama teatral madrileño, esta vez en el escenario del Teatro Nuevo Apolo.
El texto y la dirección son de Iñaki Nieto quien adapta a los escenarios la novela gráfica de Alfonso Casas. El respeto es tal (debería de serlo casi siempre), que gracias a proyecciones podemos apreciar hasta sus viñetas en un ejercicio de admiración por el material original.
Esta dramedia representa a toda una generación de jóvenes personajes (algo modernetes) que pululan por el Madrid actual, luchando contra la difícil situación que nos ha tocado vivir en un mundo donde el amor es un ideal y donde ellos no abren fácilmente la puerta a su corazón.
La historia arranca con dos compañeros de piso: Jaime y Nacho, cada uno con su punto de vista con respecto al amor. El primero es escritor en busca de inspiración y el segundo es un ilustrador de cómic enamorado de un chico que no conoce, una buena combinación para dos personajes que están al filo de la desilusion constante pero que se toman la vida con mucho humor. En su camino se cruzarán personajes como Laura, Eva, Carlos o David que le harán ver el auténtico sentido de los pequeños detalles que hacen las cosas grandes, esos amores que por minúsculos que parezcan nos enseñan grandes cosas de la vida y de nosotros mismos, demostrando con el paso del tiempo que son el amor de nuestra vida. 

El reparto coral lo forman en esta ocasión: Álvaro Cea, Ángel de Miguel, Celia Arias, Javier Martínez, Ramón San Román y Miriam Juanes. Siendo un espectáculo que en anteriores temporadas permutaba entre dos elencos, algo muy de moda últimamente y que puede ser interesante siempre y cuando cada reparto aporte algo nuevo y fresco.


La puesta en escena es muy acertada, usando todo el espacio escénico pero no perdiendo ese componente de cercanía propio de este tipo de historia, incluyendo momentos en el que los personajes bajan para estar paseando entre las butacas bajo la sorprendida mirada del espectador.
Otro elemento clave es el empleo de una escenografía muy desnuda pero muy practica donde con pocos elementos que se dice mucho, incluso es el propio reparto quien entra o saca tal atrezzo que nos hace pasar de la cafetería a casa de Laura o a estar en la plaza donde Nacho dibuja en su cuaderno. Una obra con muchos cambios de espacio-tiempo divididos por estaciones del año, jugando con el espectador como si estuviéramos viendo una película. Quizás la única pega sea el excesivo uso de la música, sobretodo como hilo musical cuando realmente con el texto y el actor está todo dicho. Aún así no molesta o entorpece lo que se está contando, así que ni tan mal.


La historia esta llevada con forma optimista alcanzando el titulo de comedia romántica con un final que se puede considerar un juego de espejos. Recomendamos mucho esta obra y sabemos que gustará a un público menos complaciente con el teatro, (por ese regusto cinematográfico que comentabamos antes) con unos personajes que crean una empatía total con el espectadores, donde vivirás cada momento intensamente con ellos. Merece la pena.
 

viernes, 23 de octubre de 2015

Musicales: amores en la gran ciudad

A tenor del estreno de la adaptación cinematográfica del musical Los miércoles no existen, os presentamos una serie de films donde la música juega un papel importante, no así las coreografías alejándose más de Fred Astaire y con una postura menos pomposa, acercando a las personas de a pie a su faceta más melódica. Son personas como tú y como yo, que habitan en las grandes ciudades, que caminan por las calles tarareando una canción que sirve para extrapolar sus sentimientos a modo de reemplazo de la voz en off de toda la vida. Y donde sobretodo las relaciones personales y los problemas amorosos son los temas más recurrentes. Ahí van:

-El otro lado de la cama. 
Película por todos conocida, un éxito más de Emilio Martínez-Lázaro con un reparto de rostros conocidos encabezados por los actores más de moda por aquel 2002; Natalia Verbeke, Paz Vega, Ernesto Alterio o Guillermo Toledo. La cinta nos cuenta a ritmo de Kiko Veneno o Tequilla una comedia de relaciones que sirvió como punta de lanza para la salida de otros productos similares durante los siguientes años (secuela incluida). El musical hecho en España también funciona.

Verbeke cine el otro lado de la cama
Vía: revistaplacet.es

-Todos dicen I love you. 
Drama histórico, falso documental, high comedy... poco palos le faltaban por tocar a Woody Allen hasta que llego a realizar su película musical Todos dicen I love you. El genio de Nueva York ya se venía interesando con anterioridad por el género siendo Poderosa Afrodita una comedia con momentos musicales gracias a un coro griego que sirve como metafora de la tragédia de la historia.
Una buena historia donde podremos ver cantar a Edward Norton, Woody Allen, Drew Barrymore o Goldie Hawn. De una forma natural, sin florituras, ni siquiera importa que entonen excepcionalmente bien, se busca la naturalidad y la música como mecanismo conductor de la cinta.

-Las canciones de amor
Grandes temas  se escuchan en esta cinta que discurre entre la comedia y en drama más intenso, con unos números muy naturales y canciones que cuentan mucho de los sentimientos de Louis Garrel y compañía. Todo un éxito en Cannes y que no deberías pasar la oportunidad de ver. 






-Across the universe
Un musical de los Beatles, ¡que más quieres! De esta lista es el que juega más con el montaje y con la belleza expresiva de la música, más metafórico y como no, psicodelico. Además los protas son Jim Sturgess y Evan Rachel Wood, pareja de la que surge un amor de libro con un contexto sociopolítico que hace que quieran salir de ese loco mundo donde habitan.

miércoles, 21 de octubre de 2015

Trailer definitivo de Star Wars: The Force Awakens

Parece que estamos en la semana Star Wars y eso que todavía faltan meses para el estreno de la nueva entrega de la saga de ciencia ficción más famosa del celuloide. 


Hoy hablaremos del trailer final de The Force Awakens, el cual se subió a la cuenta oficial de Youtube ayer. Se puede decir que en cierta manera sacia las ganas de los fans mientras que a la vez genera más expectativas y deseos de que sea ya la fecha de estreno. La verdad es que este nuevo montaje nos proporciona más información sobre la cinta, más allá de la espectacularidad de sus primeros avances. 

Podemos apreciar quienes van a ser los protagonistas y más o menos como va a ir una historia con mucho eco a la primeras películas de Luke Skywalker y lo más importante, se intentan desacer de ese regusto digital tan discutido al amigo George Lucas. El universo se expande con nuevos personajes y un nuevo villano (polémica con sable láser aparte), acción y aventuras por doquier con nuestros queridos personajes de la trilogía original como secundarios de lujo, lo cual me parece bien si quieres hacer más secuelas, hay que ir más allá del mero homenaje, buscar personajes distintos y que gusten al publico generalista y ahí esta una de las claves. Depositamos nuestro confianza en la buena mano de Abrams a la hora de enfrentarse a este tipo de proyectos, reinventó la saga Star Trek con mucho éxito, sabemos de lo que es capaz y música de Michael Giacchino a parte, es un director que sabe gestionar muy bien las emociones y poner al espectador pendiente de un hilo.




Como anécdota queda decir que al poco de publicarse el trailer, ya fue compartido, comentado y retwitteado hasta la saciedad, siendo tendencia en pocas horas... pero sin duda, lo más divertido ha sido ver los vídeos que grabaron a los protagonistas subidos en sus respectivas cuentas en Instagram. Allí podemos ver a John Boyega y Daisy Ridley en sus respectivas casas reaccionando a su primer visionado del trailer. Si bien es cierto que rodar una película de este calibre no te hace ver la totalidad del trabajo hasta que el laborioso curro de postproduccion concluye y esto queda demostrado al ver a los protagonistas por primera vez sumergidos en sus propios personajes dentro de uno de los universos cinematográficos mas importantes del mundo.

Venga, ya queda menos...

 Staying in a little b'n'b with my friend... Set an alarm to watch the trailer... My friend filmed my reaction. Totally emotional seeing it for the first time and so so so incredibly awed to be part of this incredible legacy #starwars #theforceawakens THE TRAILER IS JUST EEEEPPPPPPPIIIIICCCCCCC! Star Wars is back! gaaaaaad laaaaard! You know what! Let me just relax because this kind God oooo! Lmao! Seriously congrats to everyone ! December 18th!


lunes, 19 de octubre de 2015

Cartel oficial de Star Wars: The Force Awakens

Normalmente la cartelería de una película no transciende más allá del mero complemento publicitario a los teasers de YouTube, anuncios en televisión o reseñas en revistas especializadas pero cuando estamos hablando del regreso de la franquicia más famosa del mundo del cine la cosa cambia bastante. 

Por fin tenemos cartel oficial de Star Wars:The Force Awakens, un diseño clásico manteniendo la estética de todas las películas pero tirando más hacia el homenaje a la trilogía original (como se supone que será la película) acentuado por su carácter pictórico, su composición, el predominio de sables láser... además de las apariciones estelares de Han Solo, Leia, etc.

Un dato importante es que no viene por ninguna parte el número del episodio (el siete en este caso) al que pertenece la cinta de Abrams, quizás distanciándose en cierta manera para darle otro valor estratégico al film, o porque no es necesario, pero si estamos hablando de una nueva trilogía ya se verá hasta que punto no añadirán los números al titulo de las próximas secuelas. Es curioso cuanto menos y da que pensar.


Star Wars cartel The Force Awakens
Vía: www.impawards.com

Desde luego, de material andan sobrados. Podremos disfrutar en breve de un nuevo trailer, aparte de las imágenes nuevas que aparecen cada día y si te acercas a cualquier juguetería puedes ver figuras de todos los tamaños de los nuevos personajes de la saga cósmica por excelencia o si no, podéis ver unos breves teasers publicados anoche. ¡Qué la Fuerza os acompañe!


viernes, 16 de octubre de 2015

Los miércoles no existen (2015) de Peris Romano


Tras ser todo un éxito en la escena madrileña, los Miércoles no existen se estrena en cines. Una versión alternativa a la vez que fiel de la pieza original de Peris Romano. Una refrescante comedia musical con una fuerte carga dramática que desentraña el amor en una generación de treintañeros en la capital española.

Peris Romano se adapta a sí mismo amplio conocedor como ningún otro del universo donde se está moviendo, en un complejo ejercicio de permuta entre los momentos musicales y los momentos dramáticos, creando un clima propio donde retrata una generación que se mueve por las calles de Madrid a ritmo de las canciones de Julio Iglesias o Vetusta Morla.

Sin duda alguna, esta versión tiene todos los componentes del cocktail que hicieron triunfar a la obra de teatro incorporando elementos cinematográficos que le dan mucho dinamismo; secuencias de montaje, efectos chulos, largos planos secuencia de acompañamiento a los personajes... dándole mucha consistencia como película. Nada que ver con esas adaptaciones maniqueas que huelen al medio de donde proceden.


Nos encontramos con una dramedia de enredos, con momentos de mucha comicidad que funcionan muy bien y contrastan con los momentos más intensos. Historias que se cruzan por puro azar o por relaciones personales que juntan a este grupo de personas que están en un momento importante de sus vidas, representado a través de los miércoles de diferentes años, alterando los tiempos y los espacios jugando con un montaje donde la historia te quedará completa en su emocionante final en el que te darán ganas de aplaudir.


Un elemento fundamental que está ahí desde los primeros compases es la ciudad de Madrid. Posee un retrato de cierta belleza urbana, una mirada nostálgica que con el paso de los minutos te vas dando cuenta de que su presencia no es un mero capricho del director, siendo fundamental en el desarrollo de muchas de las tramas, a lo que ayudan el empleo de localizaciones naturales así como calles y lugares de sobra conocidos por todos. Todo añade realismo y credibilidad algo esencial sobre todo en proyectos que son híbridos de varios géneros como es este caso.


Los miércoles no existen cine
Vía: 20 minutos

El elenco está formado por Inma Cuesta, Alexandra Jiménez, Gorka Otxoa, Eduardo Noriega y María León entre otros. Así que os podéis hacer una idea de lo que estamos hablando. Un reparto de lujo, con un montón de rostros conocidos, que pueden cantar mejor o peor pero en lo que se refiere a interpretación bordan su trabajo con un naturalismo pasmoso haciendo sentir al público muy cercano a sus problemas. Venga va, por puro masoquismo voy a  destacar dos interpretaciones que contrastan mucho entre ellas y que solo coinciden en una escena: me quedaría con la fragilidad y la tristeza contenida de Paula a la que pone rostro Andrea Duro y como no... con César, el macho alfa interpretado por William Miller, en el papel más divertido de la cinta además de uno de los papeles más agradecidos, ¿posible nominación al Goya?. En definitiva, unos personajes que dejan huella y que deseas que vuelvan a aparecer en escena, cogiéndoles mucho cariño y queriendo saber más de cada uno de ellos porque son auténticos. 


Al fin y al cabo lo importante de una película es que te entretenga y te cuente algo de manera fresca además de emocionante. En este caso, uno asiste a un collage de momentos que quedarán en la retina y que te obligará a cantar sus canciones (como me pasó a mí) cuando vayas camino del trabajo por las calles de Madrid...

miércoles, 14 de octubre de 2015

Irrational man (2015) de Woody Allen


Woody Allen ya está de vuelta y nosotros no podíamos más que recibirlo con los brazos abiertos. Después de la deliciosa comedia que nos regaló el año pasado, en esta  ocasión nos encontramos ante una película más inclasificable a nivel de género pero que retrata alguno de los grandes temas que más obsesionan al director de Manhattan.

La cinta posee un reparto muy bien elegido con estrellas de sobra conocidas como Emma Stone o Joaquin Phoenix, algo a lo que nos tiene malacostumbrados y que se complementa a la perfección con un texto muy bien trabajado. Una imagen dulce y ligera en apariencia, gracias a una acertada fotografía, pero que en realidad atesora mucha mala baba en un fondo con obvia infuencia dostoievskiana. Un nuevo retrato de la alta burguesía, aunque cambiando las calles de Nueva York por una importante universidad de provincia. Un cocktail que nos puede resultar familiar pero que significa otra vuelta de tuerca más en una cinematografía muy heterodoxa. Y esto es solo el principio...


Vía: www.asgeeks.es

La historia arranca con la presentación de Abe Lucas a través de rumores y habladurías sobre su llegada a una pequeña universidad costera. Su fama le precede: un atractivo profesor de filosofía con una grave crisis debido a sus problemas personales, la alienación, la perdida de fe en el ser humano y otras de las muchas neuras de los clásicos personajes del universo Allen se dan cita en el pobre Abe. Desde sus primeros días, traba cierta amistad con Jill, una joven alumna que se siente atraída por una figura tan idealizada como la de su desequilibrado maestro. Resulta muy divertido ver como cada lección que nos da en clase, corresponde con los momentos concretos de la película en lo que vemos la forma de actuar de los personajes, siendo un buen ejercicio de teoría y practica.

Joaquin Phoenix da vida al personaje al que se refiere el título de la cinta (muy irónico, por cierto), en  un rol muy complicado. Resolviendo con la visceralidad que nos tiene acostumbrados, regalando al espectador todo un repertorio de emociones, gracias a un guión donde la evolución del protagonista es muy enriquecedora y está muy bien marcada en cada escena. 

Todos estaremos de acuerdo que Phoenix es el actor más en forma en Hollywood, debido en parte a aquella supuesta pausa para dedicarse al mundo del hip hop. Parón que sirvió más como experimento social, que como el documental que pretendía su cuñado Casey Affleck. Las nuevas cintas de Spike Jonze o Paul Thomas Anderson son testigos de ello, uno de los mejores interpretes de su generación, que en cada papel nos entrega una parte desconocida de sí mismo. Sin duda estamos ante uno de los mejores papeles masculinos en una película de Woody Allen desde hace muchísimo tiempo.


Un elemento clave a nivel iconográfico es el mar, el paisaje marítimo al cual miran los personajes en determinados momentos de la película, siempre está ahí aunque de forma muy sutil. En las olas que golpean la costa hay un reflejo de sus estados de animo; así Woody Allen utiliza el entorno como elemento expresivo que exterioriza los sentimientos de los personajes usando distintas mareas dependiendo del momento en el que se encuentren los personajes. Un acierto sin duda, con mucha influencia del paisajismo inglés que denota el respeto y admiración que tiene el director hacia el arte europeo. Algo que se palpa en todos y cada de los planos, que aunque parecen engañarnos con su ingenuidad, son muy expresivos y van más allá de la simple representación de la acción. La cámara está muy bien colocada y el baile de los personajes junto con ella forman una danza perfecta, gracias a una gramática visual pulida con el paso de los años.


Irrational man stone phoenix
Vía: www.deadline.com

Estamos ante una cinta notable, que nos abstenemos de catalogar en la amplia filmografía del director. Siendo de obligado visionado para todo fan de Allen y todo aquel que disfrute de la esencia del buen cine. Bajo un aspecto más bien amable, encontramos una dura critica a la conducta humana y a un tipo de personajes del interés del director neoyorkino. Una nueva oportunidad de disfrutar de la nueva película de Allen: ni drama, ni comedia, ni siquiera thriller hitchcockiano, si no más bien una combinación de todas ellas. Sin duda, es una muy buena película. Recomendadísima.

martes, 13 de octubre de 2015

Con Tarantino y The Hateful Eight tenemos para rato...


Hateful eight tarantino
Vía: tierragamer.com

La nueva cinta del amigo Quentin Tarantino es The Hateful Eight, su nueva incursión en el género del western que cuenta con un reparto encabezado por Kurt Russell y Samuel L. Jackson. Como dato añadido cabe decir, que ha sido rodada en 70mm, un tipo de película muy utilizado en los spaghetti western de sus admirados Leone, Corbucci, etc... lo que no está al alcance de cualquier cine que se precie, sobretodo ahora que estamos en la edad del digital y las proyecciones se hacen desde un disco duro. 

Por eso, para celebrar un estreno anticipado para poder colarse en las quinielas de los Oscar, la productora y el propio cineasta han organizado unas exhibiciones en diferentes puntos de EEUU antes de su estreno oficial. Según fuentes, se ha podido saber que esta versión en celuloide contará con un montaje diferente a la que se proyectará en su versión digital en todo el mundo. Por lo tanto, aparte de que la cinta ya será larga de por sí -como nos tiene acostumbrados Tarantino-, en una de sus versiones habrá unos minutos extra para que puedan deleitarse aquellos suertudos espectadores.


Personalmente, opino que es un capricho de los directores querer grabar en celuloide, y que por muy romántico que sea no tiene mucho fin comercial; ya se vio en otros casos como Interstellar o The master que el experimento no funcionó del todo, más allá de niveles artísticos con cierto grado de purismo estilístico. 

Además, las últimas películas del director de Jackie Brown están pecando de excesivo metraje, siendo Django desencadenado un gran ejemplo de ello: un climax demasiado dilatado que echaba por tierra parte del trabajo del guión que tenía la película hasta ese momento. Por eso, habrá que comprobar si este corte de tijera (te echamos de menos Sally Menke) no le sentará mejor que su versión extendida.


Aún así, habrá que esperar y hasta que no veamos la cinta todo serán especulaciones sobre si el montaje es necesario o esta justificado los 70mm, así que no nos queda otra que disfrutar de los adelantos en forma de trailer que nos vayan llegando... 

miércoles, 7 de octubre de 2015

Nunca es tarde: Los niños lobo (2012) de Mamoru Hosada


Wolf Children animación cine


Esta vez, en vuestra sección favorita, vamos a hablar de una película relativamente reciente pero que pasó desapercibida en nuestra cartelera y nosotros tenemos el deber moral (podéis considerarnos héroes) de reconocer el valor a esta gran obra de Mamoru Hosada. Hablamos de Los niños lobo o Wolf Children si os gusta más en la lengua de Shakespeare, una obra singular, tierna, emocionante y que te muestra una historia sincera jugando con las claves del fantástico y el melodrama. Una gran película que está a la altura de sus hermanos de imagen real. Se que es fácil que juzguéis la animación como algo menor, pero sin duda hay obras maestras imperecederas a la misma altura que las cinematografías de Bergman o Welles.


La historia comienza con el amor de Hana por un misterioso compañero de clase. Cuando la conquista tiene lugar y surge el amor, el decide contarle la verdad, es un hombre lobo... y por muy Crepúsculo que parezca, no te dejes llevar por tus prejuicios cinéfilos. Poco después, ella se queda embarazada de los niños que dan título a la película y entonces su vida transcurre feliz... hasta que repentinamente el padre fallece. ¡Zass! Al estómago del espectador más complaciente. Viéndose obligada ha buscarse una casa en el campo, un entorno que Hana considera adecuado para que vivan sus hijos sin los riesgos de la ciudad. Entonces es cuando realmente empieza la película que Hosada nos quiere contar. Una historia de madres e hijos, de infancia y madurez, siendo las transformaciones de los niños en lobo un pretexto, una metáfora de la pubertad, de los caminos de la vida y de las decisiones que tienes que tomar, porque si pensáis que es duro ser madre soltera, más aún es serlo de dos crías de hombre lobo...
Por lo tanto, lo que empieza siendo una comedia romántica sin muchas pretensiones evoluciona rápidamente en los primeros compases de la cinta, dando un golpe demoledor al espectador y cambiando totalmente el tercio situándonos en un drama rural sobre la relación madre-hijo con un claro componente fantástico, que siempre está ahí en el sustrato de cada escena con una naturalidad pasmosa. 

Lo que más nos fascina de Hosada es que te cuenta una historia con una estructura lógica muy concreta que es lo que guía el relato (nunca saliéndose de sus márgenes), vasculando entre una fantasía cotidiana y problemas familiares con unas pequeñas pinceladas de la evolución de Ame y Yuki durante su paso a la adolescencia. Para ellos hay un fuerte choque, la confrontación de dos mundos: El humano y el animal del que poco a poco empiezan a ser conscientes. Algo que Hana como madre tiene que afrontar a pesar de sus propios miedos.

Wolf Children película anime
Fuente: www.cineclubdioptria.org

Hosada ya viene con un recorrido cinematográfico bastante interesando gracias a cintas como Summer Wars o La chica que saltó en el tiempo. Le gusta jugar con el relato clásico, haciéndolo suyo, convirtiéndolo en algo único y moderno pero sin olvidarse en ningún momento de emocionar al espectador, una de las claves que no debería olvidar todo buen storyteller. Sin lugar a dudas, estamos ante un cineasta único, que mima a los personajes y se toma su tiempo en narrar la historia, con un completo dominio de la gramática que hace que la película se vea sin esfuerzo alguno, pero bajo una óptica que eleva una historia a priori sencilla, gracias a la expresividad de su lenguaje.

Sin duda, un film muy recomendable, una joya que va de tapada pero que se encuentra entre las mejores de lo que va de siglo. No hay que dejarse llevar por su ingenuo punto de partida porque enseguida te partirá el corazón con una dura historia (aunque tiene sus momentos de típica comedia japonesa), con la que te pondrás sentir identificado gracias a la cercanía de sus personajes. Esperemos que su próxima película titulada El niño y la bestia no os pase desapercibida, porque para nosotros no lo hará.

lunes, 5 de octubre de 2015

Nuevos habitantes de Twin Peaks

Después de tanto lío con sí se iba a rodar la nueva temporada de Twin Peaks o no, la cuestión se resolvió con que el proyecto seguía adelante con el equipo al completo, tanto delante como detrás de cámara. Por lo tanto solo cabía esperar que nuevos habitantes aparecieran en nuestro pueblo favorito. Y por fín hoy podemos decir que ya están confirmados las primeras incorporaciones. Si bien es cierto que no se conoce su rol en la serie, sí sabemos por sus perfiles como interpretes que encajan perfectamente en el universo creado por Mark Frost y David Lynch.


Los nuevos vecinos del pueblo más famoso de la ficción televisiva son: 



Robert Knepper, conocido por Prison Break, un actor curtido en la pequeña pantalla y que aportará sin duda mucha experiencia.

Balthazar Getty, antiguo muso de Lynch, protagonista de la magnifica Carretera Perdida y visto últimamente en la televisiva Cinco hermanos.

Amanda Seyfried, quizás el rostro más conocido además de una de las elecciones más llamativas y es que su físico (sobretodo por su largo cabello rubio y la ambigüedad de su mirada) es lo que le adquiere un aura de misticismo esencial en este tipo de historia, algo similar a nuestra Sheryl Lee.

viernes, 2 de octubre de 2015

Netflix aterriza en España

Como ya hablamos en otra ocasión, la plataforma en streaming más famosa del mundo estaría disponible en nuestra país en breve. A pesar de ellos, todavía quedaban muchas dudas respecto a su posible llegada y a los precios que marcarían su adandura española. 

Después de tanto tiempo, ya os podemos comunicar que Netflix estará a partir del 20 de Octubre en nuestros hogares, bueno de quien quiera, claro. En lo que ha precios se refiere, la historia es fácil de explicar: tienes la opción de una tarifa plana con todos sus contenidos, y dependiendo de la calidad del mismo (y los dispositivos donde verse) los precios irán variando. Por ejemplo, en calidad SD para dos dispositivos costará 7,99 euros y para HD 9,99 euros y en 4K 11,99 euros al mes. Unos buenos precios con unos contenidos más que interesantes donde destacan las ausencias de Jane The Virgin, Orange is the new black y la serie de nuestro querido amigo Frank Underwood. ¡No se puede tener todo!.