lunes, 12 de junio de 2017

Batman Renacimiento 1


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Ya que comentamos el arranque de otra serie de DC como era All-star, no pensabamos olvidarnos de la cabecera madre de la editorial. Así que vamos a repasar a continuación lo que ha dado de sí la primera grapa de esta nueva andadura del Caballero de Gotham en España. El comic contiene dos números Batman: Rebirth núm. 1 USA (one-shot) y  Batman núm. 1 USA. En teoría, el primero de ellos sirve para tender un puente entre los acontecimientos ocurridos en el evento Renacimiento y la nueva colección. Siendo sinceros no vale para mucho más que eso. Es un mero prólogo, irregularmente escrito por Scott Snyder (junto a Tom King) y un dibujo del español Mikel Janín que mola pero que simplemente cumple narrativamente (esperamos grandes cosas de él en esta cabecera). La verdad, es que solo aporta unos pocos detalles como son el actual status de Batman y su nuevo compañero Duke. A parte de esto tenemos un villano que juega con un poder un poco hortera pero que sirve para justificar un juego elíptico a Snyder. En realidad, el plato fuerte viene a continuación con el arranque de la serie regular capitaneado en solitario por Tom King. Escritor de moda gracias a excelentes trabajos en Grayson así como El sheriff de Babilonia o Vision y que ahora se encuentra en lo más alto. Mola que se apueste por gente joven que empieza a triunfar.


En fín, el primer número de la cabecera oficial se llama "Yo soy Gotham", un título muy sugerente que podría parecer una frase dicha por el mismísimo caballero oscuro pero que encierra algo más. La historia empieza sin mucha novedad, siguiendo cierta estela de lo que venían haciendo años atras Scott Snyder y Greg Capullo. De repente, un acontecimiento precipita la acción. Un avión se cae directo hacia el centro ciudad y Batman es el único que es capaz de detenerlo. ¡Y que no te quepa duda que hará todo lo que este en su mano para evitar la evidente tragedia!

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A estas alturas ya estas acostumbrados a que Batman sea capaz el solito de solventar cada nuevo problema que se le ponga delante (A pesar de no tener poderes y ser un simple ricachón musculoso). El tío se puede enfrentar a Darkside sin problema alguno y esto hasta cierto punto roza lo creíble en un personaje que gran parte de su atractivo se basa en ser una persona de a pie. Cuando se trata de este personaje nos lo creemos todo. TODO. Él es el mejor.


También es cierto que es un número muy dinámico en el que con cinco minutos tendrás tiempo de sobra para leertelo, ya que la acción es la que conduce la historia. La resolución del conflicto sirve al guionista para plantear el comienza de un arco argumental centrado en unos nuevos personajes que llegan a Gotham. ¿Con qué intenciones? Cuando leamos el siguiente número. 

lunes, 8 de mayo de 2017

Por trece razones (2016). Primera temporada

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Vía: PopSugar
Aunque en otros países podamos estar agotados de historias en institutos americanos, parece que en EEUU les queda cuerda para rato. A pesar de dicho desgaste y cumpliendo en gran medida con todos los estereotipos habidos y por haber, encontramos en Por trece razones una versión distorsionada e interesante de este subgénero teenager. Una interesante vuelta de tuerca que gira hacia el thriller a pesar de no separarse ni un momento del drama social, creando un híbrido muy compacto, donde se utiliza a los estudiantes para contar algo mucho más profundo.


Hannah Baker va a ser un nombre que no olvidarás si te adentras en lo último de Netflix, está basado en la novela de Jay Asher bajo el mismo título y producida entre otros por Selena Gómez. La serie parte del suicidio de esta joven como catalizador de una trama de investigación y descubrimiento personal por parte del verdadero protagonista, el tímido nerdie Clay Jensen. Mediante unas cintas que acaban de forma anómima en sus manos, Clay va siendo confidente de cada uno de los momentos que hicieron a Hannah acabar con su vida. Cada cara representa un motivo, una justificación para ella y para los espectadores. A pesar de ello, la trama no solo se detiene ahí.

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Vía: Moviepilot

El montaje es una de las bazas de la serie, siendo un buen ejercicio de ritmo cinematográfico. Permutando entre el presente y el pasado de forma que vayan avanzando ambos con mucho interés para el espectador. Al fin y al cabo, gran parte de la historia se desarrolla en los acontecimientos del pasado pero eso no nos hace perder el interés en lo que esta ocurriendo en el presente con las secuelas de la muerte de Hannah. Esa permuta entre dos tiempos se ajusta a la perfección a lo que se va narrando. Sirve para ir recordando junto con el protagonista todas las vicisitudes del entorno hostil que los rodea, así como su relación amorosa con Hannah. 


Si bien es cierto que hay momentos algo tramposos o estirados, es verdad que su valiente mensaje antibulling es muy potente. Quizás la serie a veces muestra demasiada crudeza pero es una forma de sacudir a la audiencia. Lo cual no evita que sigas viendo un capítulo tras otro. Y sea invetable conocer la verdad de su testimonio.


Así que, dale una oportunidad tanto si te gusta el género como si no es del que a priori más te interese. No te dejará indiferente. Disfrutarla es muy fácil, simplemente tienes que acomodarte bien y darle al play como hizo el bueno de Clay Jensen.

lunes, 24 de abril de 2017

Blackbird de David Harrower. Dirigido por Carlota Ferrer

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Tenemos que estar orgullosos y agradecidos por las propuestas tan arriesgadas que se están haciendo en el panorama teatral español, ¡no todo es Shakespeare! En general, un compendio de buenos textos, ingenio y planteamientos muy atractivos con los nuevos (o no tanto) nombres de la escena madrileña. Un ejemplo de ello es la nueva producción de los Kamikaze bajo el beatlemaníaco titulo Blackbird. La historia del reencuentro de Una y Ray, unos personajes con un pasado común que les marcó de por vida. Este controvertido drama de David Harrower con ecos a cierta novela de Nabokov, nos presenta a Irene Escolar y José Luis Torrijo en una obra inteligente, sobrecogedora y comprometida sobre el amor prohibido. ¿Alguién da más?



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Un pájaro siempre es un elemento representativo de la libertad que en este caso toma una tónica retorcida y diferente. Este juego de contrastes funciona muy bien con unos  protagonistas encerrados en un espacio escénico (maravillosa y eclecticamente planteado) que les asfixia poco a poco haciendo que su ansiedad explote. ¿Esto es el amor? Esa es la pregunta que sobrevuela a los espectadores durante los 90 minutos de representación y la respuesta no es nada fácil.

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Bien es cierto que la lucha de titanes que se lleva a cabo en el escenario era algo obvio pero los resultados están más lejos de lo que nos llevan las especulaciones. No siguen convención alguna, rompiendo moldes con unos personajes que son de verdad. Escolar y Torrijo se descubren ante el público con unos roles que les vienen ni que pintados. El fruto de un trabajo actoral de altura. La propia obra guía al espectador por diferentes estados emocionales de la mano de los intérpretes, jugando con diferentes géneros, desde el cine, la danza contemporánea o el musical. A pesar de todo, sus momentos más brillantes se producen gracias a su economía y minimalísmo interpretativo. La propuesta escénica hay veces que no ayuda, distanciando al público más convencional con decisiones que tienen poderío visual pero que desdibujan un poco la historia. A pesar de su carácter expresivo, no aporta nada que no lo comuniquen los personajes con sus actitudes y estados de ánimo. 


Así nos encontramos ante un ave hermoso, que apreciamos en la distancia. Oímos su canto desconsolado y no podemos hacer nada, solo disfrutar de él y admirar sus alas, su tupido plumaje y recordarlo cuando se vaya para no volver jamás.

miércoles, 8 de marzo de 2017

El guardián invisible (2017) de Fernando González Molina

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Vía: Filmaffinity
Como ya he comentado en más de una ocasión, el marco donde se sitúan las historias es clave para que un producto poco original encuentre su hueco, convirtiendo algo sobado en todo un descubrimiento cinematográfico. El lugar donde acontecen los hechos es tan importante que puede definir personajes y tramas. Una buena película no puede pasar por alto este punto. El guardián invisible encuentra su mejor baza en esto mismo. Un género habitual en superproducciones de Hollywood: el psicothriller tiene una estructura muy marcada que hace que todo funcione a las mil maravillas. Así que la ventaja de inicio con la que cuenta la película para funcionar en taquilla es el empleo de la localidad navarra donde se enmarca, así como el juego de contrastes con un ambiente muy bien definido (dado que la mitología vasca juega un papel fundamental) en la cinta de Fernando González Molina.


El personaje de Amaia Salazar se tiene que enfrentar a su pasado para resolver un caso de asesinato. Su vuelta a España tras su paso por el FBI le traerá problemas con sus compañeros de curro, sus antiguos vecinos y sobretodo con su familia. Marta Etura encaja a la perfección y defiende con entereza uno de los roles femeninos más importantes de la filmografía española de los últimos años. Una actriz que no tiene que demostrar nada a estas alturas y que da todo en una película que descansa sobre sus hombros.

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Cuando nos enteramos de la adaptación de las exitosas novelas de Dolores Redondo, no pensamos hasta que punto iba a funcionar un film como este. Pero el triunfo ha sido palpable desde la primera escena. Los ambientes descritos en los libros casan a la perfección con la sobria puesta en escena de González Molina. Un ambiente sombrío y psicológico, con momentos cargados de tensión gracias a que todos los elementos están tan cuidados. No hay sorpresas pero te mantienen con la atención durante todo el metraje.


En definitiva, son de agradecer estas propuestas de género, sirven para ampliar el mapa de la cinematografía española que año tras año va mejorando. Por calidad técnica, artística y que por fin busca al espectador, sin que para ello tenga que vender un producto inteligente. Esperemos que esta cinta abra las puertas a la realización de los demás libros de la trilogía y que sirva de punta de lanza para un nuevo año de cine español de calidad.

lunes, 6 de marzo de 2017

Big Little Lies (2017). Miniserie

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Es curioso como cada vez hay menos espacio temporal entre las propuestas más potentes de series de TV. Hace unos años, después de terminar Juego de Tronos, Homeland o Walking Dead sentías un vacío que se superaba con el paso de los meses y la salida de alguna que otra novedad seriefila. Pero ahora, con tanta producción y tantas plataformas de difusión, el tiempo se reduce e incluso las propuestas se solapan. Tienes que escribir en un cuaderno o en la app de turno las series pendientes y los nuevos estrenos que tienes que compaginar con las series que sigues "de toda la vida". En este momento, hay tanto material que hay que ser selectivo. Solo nos abrimos a algo nuevo, si la propuesta genera el interés suficiente (o por el boca-oreja, claro) como para darle una oportunidad entre este inmenso mar de series.


De esta guisa nos encontramos cuando vemos toda la publicidad de la que esta haciendo gala HBO España con su reciente aterrizaje como plataforma de VOD. Y admitimos que sus títulos son muy top y que los límites con el cine se han perdido en niveles de calidad. Esto convertía en una decisión importante el darle al play a Big Little Lies y ver que nos quieren contar con el drama dirigido por Jean-Marc Vallée.


Un asesinato. ¿Y qué más? No hace falta más. Así de directo arranca la última producción de la cadena estadounidense. No se sabe quien lo ha perpetrado ni el por qué del delito. Además para más inri se desconoce a quién. A raíz de esto, se nos ofrece un mapa espacio-temporal de los personajes y situaciones tanto previas como posteriores al asesinato. Jugando de una manera interesante para atraer al espectador y a veces despistarlo con una historia en lo que lo importante son los personajes. Ellos te harán una presentación del marco y de las situaciones que se generan a raíz de unos acontecimientos muy cotidianos que harán que más de uno se sienta identificado (y si eres de clase alta más :P). El juego narrativo es más que interesante, dándole un uso muy inspirador al montaje y al sonido, como vehículos de sugestión, insinuando los puntos importantes de los personajes a modo de pincelada sobre sus vidas. Pero, no os preocupéis que luego se irán descubriendo poco a poco cada uno de ellos. Pero la serie intenta dosificar la información al máximo. Así que, a pesar de ser tres episodios, tenéis que ser pacientes porque solo os darán lo justo y necesario para que quieras más.



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Me gusta como algunas historias juegan con la imágenes idílicas de las localizaciones donde se realizan para darle una vuelta de tuerca y mostrarnos que todo no es lo que parece. ¡Gracias Terciopelo Azul! Así, nos encontramos con una California paradisiaca, donde la playa y el mar tiene un valor iconográfico muy potente. Casi se podría decir que el vaivén de las olas se ajusta a las situaciones por las que pasan las protagonistas y contrastando de manera genuina con los dos mundos que nos están retratando.


La intriga es un valor imprescindible en lo que se esta contando. Se podría decir que huele demasiado a The Affair, pero en un ámbito distinto. Si bien, lo que la serie nos plantea es una historia que ya conocemos tanto en estructura como en trama. Es la conjunción de pequeños detalles lo que la convierte en un buen producto. No de los más notables de la casa pero si de los más interesantes de estos primeros meses del año. Y son solo un puñado capítulos, ¡no te cuesta nada!

lunes, 20 de febrero de 2017

La La Land (2016) de Damien Chazelle

Vía: FilmAffinity

Melomanía: Pasión y entusiasmo por la música.

Si por algo se caracteriza el cine de Damien Chazelle es por el amor que profesa a la música (y el Jazz en particular). Un valor que utiliza para crear un híbrido entre las posibilidades narrativas que se produce de su mezcla con el cine. Si bien son medios que se complementan, el joven director es capaz de unificarlos convirtiéndolos en un todo y su último cinta  es clara muestra de ello. Un producto compacto, mezcla de añorado homenaje y modernidad plástica con Hollywood como telón de fondo. Y es que, La La Land es pura dinamita. Las canciones te conducen de una escena a otra con gran virtuosísmo y no te darás cuenta de ello hasta que salgas del cine. Probablemente días después cuando serás consciente de como no se te quitan las canciones de la cabeza porque para que este tipo de cine funcione los temas tiene que ser muuuy buenos. ¡Nosotros ya lo tenemos en el Spotify!



Sin duda, Ryan Gosling sale victorioso del reto gracias a su faceta como músico en el grupo Dead Man's Bones y que seguro le sirvió para interpretar el papel en la nueva cinta de Terrence Malick. Pero no es si no Emma Stone quien se hace con el corazón de los espectadores, con una interpretación que domina a la perfección. Una candida belleza, una emoción frágil y una comocidad ingenua en un personaje que funciona gracias a la química con su partenaire masculino. Sin duda Chazelle no se la a jugado a la hora del casting, siendo esta la tercera película en la que ambos comparten protagonismo.


Drama: Género literario caracterizado por un final trágico. 

Si bien es cierto que para que exista una historia (según Robert McKee) tiene que haber un drama, esto no es condición sine qua non en el género de musical clásico como Sombrero de copa. A pesar de la sencillez de la mayoría de las propuestas, no es si no la conjunción de la música y el baile la que marca la funcionalidad de estas obras. El relato tiene que estar siempre presente, avanzando poco a poco, paso o pasa. Las canciones se benefician de ello como vehículo perfecto para discurrir por ella, ensimismando al espectadorEl drama romántico en concreto es esencial en este tipo de género y La La Land al ser un sentido homenaje, se rige por las mismas claves: El optimismo, la delicadeza, lo ingenuo y la estética visual.



Es verdad que estas claves se rompen con el final, que parece que más que darle la vuelta al musical clásico esta jugando con las emociones del espectador, ya que después de presentarnos un romance durante tanto tiempo no puedes alejarte tanto de eso, a pesar de lo impactante que pueda resultar como último acto.


Sin duda, estamos ante la película del año, que te hará creer en el musical tanto como a nosotros, pudiendo formar desde ahora parte de nuestra lista musical de manera casi inmediata. A pesar de que sigue jugando con los mismos mecanismos que en Whiplash, la historia no es tan potente pero gracias a la ilusión de todo los elementos musicales, es imposible no caer rendido ante esta fábula y creer en el amor. Una vez más...

viernes, 3 de febrero de 2017

The Crown (2016) Primera temporada

Vía: eCartelera

El biopic es un "género" de sobra conocido por todos. ¿Verdad? Sabemos como funciona y cuáles son las claves. Es un producto que funciona muy bien, tanto en términos de taquilla como en crítica. Su éxito es directamente proporcional al interés que genere el personaje que protagoniza el relato. Hay muchos casos, clásicos y modernos; desde músicos, a toreros, científicos, presidentes, jugadores de fútbol... de todo. Siempre que este se centran en un mito, hay un valor añadido interesantísimo: conocer el lado humano. Ver a ese personaje en su vertiente más personal y confrontarlo con la imágen de estrella que conocemos a nivel de cultura pop. Este es el punto de vista de la gran superproducción de Netflix, la historia de la coronación de Isabel II en formato serie bajo el título The Crown. Su accesión a la corona y su primeros compases de reinado viendo como eso le afecta a ella, a su familia y a la nación. Una perspectiva muy interesante y que nos acerca a ella de una forma similar a lo visto en la película The Queen.


Quizás no parece una historia para cualquier espectador dado el interés que genera el personaje en cuestión, pero está contando de una forma tan elegante y con esa mezcla de épica e intimidad que solo se me antojan piropos para la serie. Así que aunque a priori, la Reina te la sude merece la pena acercarse a esta ficción. No solo porque conocerás los hechos históricos si no que verás a la persona enfrentarse a ellos. La que soporta el peso de la corona de Inglaterra, entendiendo que sus decisiones y las consecuencias de las mismas, como nos ocurren a todos en nuestras respectivas vidas. En un ejercicio de empatía donde se rompe con la imagen que tenemos de la vieja monarca que hemos visto tanto por la tele y nos abre las puerta a la historia de Isabel. Una chica que ve como su vida cambia radicalmente cuando su padre fallece se ve obligada la reina en Inglaterra. 

Vía: www.americatv.com.pe

La serie mantiene muy bien el ritmo y mezcla de forma eficiente los hechos documentados con las ficciones que crean alrededor de la familia. Si bien es verdad que entrelazar las imágenes de archivo le facilita mucho la cosa en temas de produccion además de dar verazidad al relato, se antoja como un elemento demasiado sobado y que en la misma casa han utilizado para otra de sus series más famosas. En Narcos el montaje elíptico funciona mucho mejor, quedando más compacto y sin parecer una escusa sino un medio para ver que a pesar de los violentos hechos que vemos pasaron de verdad.


Calidad es la palabra que mejor la define. Gracias a una factura técnica y artística que quita el hipo, con una historia que va para largo. Una mirada hacia una mujer que todos conocemos pero de la que no esperábamos semejante atractivo cinematográfico y que a pesar de parecer repipi, nos está contando algo que todos nosotros podemos sentir. Al fin y al cabo, las personas nos suelen mover las mismas inquietudes, los mismos miedos y los mismos sueños. Y esto también le ocurre a Isabel. God save the queen!


lunes, 16 de enero de 2017

Rogue One. Una historia de Star Wars (2016) de Gareth Edwards

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Vía: Cinemanía


Por lo menos para mí esta película podría ser la verdadera joya que elevara la nuevas propuestas de Disney de cara al futuro de Star Wars. Sin duda, lo que me parecía más atractivo es abordar la historia de otra forma. Me alegré que no se fuera un episodio más de esta gran epopeya galactica sino una especie de apéndice bajo el titulo de "Una historia de Star Wars". Un prisma nuevo con un prometedor director como es Gareth Edwars que venía del cine indie acaparando elogios. Todo esto se ha cumplido, es cierto, pero el peso de la compañía del ratón Mickey es demasiado poderoso. Se nota tanto en Marvel como aquí. Inevitable. Así que no hablamos de algo rupturista sino más bien continuista con lo aportado por J.J. Abrams en El despertar de la fuerza, algo que no es malo pero si es facilón. 



Rogue One nos trae devuelta a esa galaxia tan lejana, donde los rebeldes deben hacerse con los planos del último artefacto de destrucción planetaria del Imperio de nombre La estrella de la muerte. Os suena, ¿verdad? Era una de las grandes incógnitas que han tenido los fans. Una pregunta sin respuesta que surgen al principio de la primera película de George Lucas sobre Star Wars. ¿De dónde habrán salido esos planos que ayudaron a Luke y compañía a destruir la susodicha estación espacial? Así que lo que antes era un simple mcguffin ahora es un puente que confluye entre ambas trilogías y nos sirve para homogeneizar más todos los episodios de una forma ingeniosa. 
   
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La aventura parte con un grupo muy heterodoxo formado Jyn, Cassian, su droide K-2SO y un grupo de rebeldes que descubren el punto débil de La estrella de la muerte a través de un mensaje oculto del padre de Jyn, un científico que se vió obligado a trabajar para el Imperio y que ella daba por muerto. En la primera media hora se nos plantea todo esto así como se nos presentan los personajes principales, todo muy a fuego lento para luego precipitarse y dar lo mejor de sí como buen blockbuster palomiterio. Es verdad, que a nivel de espectáculo visual estamos hablando de un producto de altura con los mejores técnicos de la industria de Hollywood. Una cuidadísima producción que esta abocada a ganar bastantes premios de la academia en apartados técnicos y que tiene en el pulso de Edwards su principal responsable. Puede encontrarse el director bastante más domesticado que en sus anteriores películas pero es verdad que en estas franquicias millonarias es muy difícil utilizar términos como autoría, porque no quieren personalidad en sus películas quieren estandarizar sus sagas con productos que saben que van a funcionar (y vender juguetes, claro). Las nuevas de Star Wars cumplen ese cometido a rajatabla y la taquilla le da la razón a este modelo de negocio, así que para que más.

Acercándonos al aspecto más fandomero, la verdad es que la película tiene unas apariciones especiales de los personajes más clásicos de la trilogía original que son muy refrescantes y que han dado mucho que hablar. Cameos de todo tipo, algunos con más sentido que otros pero vaya, tampoco nos vamos a quejar de eso. Sin duda, los más significativos son los de Darth Vader y el gobernador Tarkir. Es verdad que sus apariciones son secundarias pero tienen bastante relevancia en la trama y no son un capricho sin más (otra cosas es la manera de realización con la polémica del CGI). Si bien Vader nos muestra su lado más oscuro, destacando una villanía que el personaje no hacía gala desde hace décadas. Tarkin es quien tiene más presencia en los acontecimientos, gracias a sus encuentros con Krennic. Hay una lucha de poder entre ambos para hacerse con los méritos y el control de la Estrella de la Muerte ante El emperador. Y ese pique mola mucho.


Finalmente nos encontramos con una film que sigue la línea marcada por Disney y sin ser tan oscura como se pretendía consigue unos resultados decentes. Una mezcla de épica amable con mucha moralina, dando la cara más heroíca que hasta ahora no habíamos visto en los rebeldes, básicamente porque se enfrentan a una misión suicida, donde hay bajas reales, lo cual le da un puntito muy interesante pero muy justito. Aprobado.