miércoles, 12 de julio de 2017

Colossal (2017) de Nacho Vigalondo



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Es una bonita sensación  cuando se encienden las luces de la sala, se terminan los créditos y te diriges a la salida pensando en lo que acabas de ver. Paladeando lo que acabas de ver, consciente de que no solo ha sido un mero pasatiempo. Y advertimos que a pesar de todo lo que podamos escribir aquí, no es comparable a la sensación que transmite la última película de Nacho Vigalondo. Una cinta especial, valiente y con mucha personalidad que se atreve a llegar donde sus hermanos mayores ni siquiera soñarían. Una excusa perfecta para pasar por taquilla. Esperemos que funcione bien en el mercado español —a pesar de su poco apoyo en salas— porque merece la pena que estas cinematografías vean la luz. Siendo Vigalondo uno de los directores nacionales más interesantes del momento (Sí, tú también estás incluido Carlos  Vermut) y que indistintamente del género, siempre apuesta por una buena historia.

¿Queréis saber de qué va?

Gloria es una chica que vuelve a su pueblo para encontrar ese equilibrio en su vida que perdió años atrás. Ahí es donde vuelve a aparecer en su vida Oscar, su mejor amigo de la infancia, quien parece ayudarla a encontrar su lugar en el mundo. A priori parece una cinta carne de Sundance y en parte es verdad, sólo en parte. Durante el trascurso de los días, entre escenas de reencuentros, borracheras y adaptación al entorno, Gloria descubre que un monstruo gigante está asolando la ciudad de Seúl. Poco a poco tanto la protagonista como el espectador se van percatando de que hay ciertos aspectos comunes entre el kaiju y Gloria. Es entonces cuando el director se vale de un giro sorprendente donde se descubrirá el detonante de la historia. ¡Ella es el monstruo!



Como es obvio, Gloria es la pieza fundamental de la historia e independientemente de su vinculanción con el monstruo,  Anne Hathaway rebosa personalidad y carisma por todas partes, en un personaje que no cumple los clásicos arquetipos de heroína. Lo cual nos ayuda a vincularnos y sentir total simpatía hacia ella; sin trabajo, sin novio y adicta a la botella. ¿Cómo no enamorarse a pesar de su flequillo?



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La verdad es que el juego funciona y mucho. El espectador compra la propuesta, introduciéndose en este particular universo del que podrá sacar más de una lectura interesante tras su visionado. El director apunta detalles por aquí y por allá pero a pesar del intimísmo de la historia que subyace, es el elemento de blockbuster el que acapara la retina del público como bien explica Tim Blake Nelson en cierto monólogo. Y para que todo este mecanismo funcione la clave está en sostenerse en la comedia en puntos clave. El humor es una baza que Vigalondo sabe jugar a la perfección, sabiendo en que momento tiene que relajar el relato o cuando subrayar elementos dramáticos, de ciencia ficción o de relato romántico.

 

Colossal es una película que sorprenderá a cualquier tipo de espectador. A pesar de lo bizarro de su premisa, no te suelta en ningún momento desde que te acomodas en la butaca. Los híbridos, como este caso, demuestran que hay cine más allá de las fórmulas y aunque la obra de Vigalondo siempre nos guía por un mapa de carreteras nunca sabemos a donde nos llevará. Aunque las emociones, las sorpresas y el humor siempre están presente un sus inclasificable filmografía. En este caso, nos presenta una delicada pieza filmica que es un rara avis dentro de sus márgenes de producción, como cinta indie estadounidense que es pero que desmuestra que lo realmente importante en una película es su historia.

lunes, 12 de junio de 2017

Batman Renacimiento 1


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Ya que comentamos el arranque de otra serie de DC como era All-star, no pensabamos olvidarnos de la cabecera madre de la editorial. Así que vamos a repasar a continuación lo que ha dado de sí la primera grapa de esta nueva andadura del Caballero de Gotham en España. El comic contiene dos números Batman: Rebirth núm. 1 USA (one-shot) y  Batman núm. 1 USA. En teoría, el primero de ellos sirve para tender un puente entre los acontecimientos ocurridos en el evento Renacimiento y la nueva colección. Siendo sinceros no vale para mucho más que eso. Es un mero prólogo, irregularmente escrito por Scott Snyder (junto a Tom King) y un dibujo del español Mikel Janín que mola pero que simplemente cumple narrativamente (esperamos grandes cosas de él en esta cabecera). La verdad, es que solo aporta unos pocos detalles como son el actual status de Batman y su nuevo compañero Duke. A parte de esto tenemos un villano que juega con un poder un poco hortera pero que sirve para justificar un juego elíptico a Snyder. En realidad, el plato fuerte viene a continuación con el arranque de la serie regular capitaneado en solitario por Tom King. Escritor de moda gracias a excelentes trabajos en Grayson así como El sheriff de Babilonia o Vision y que ahora se encuentra en lo más alto. Mola que se apueste por gente joven que empieza a triunfar.


En fín, el primer número de la cabecera oficial se llama "Yo soy Gotham", un título muy sugerente que podría parecer una frase dicha por el mismísimo caballero oscuro pero que encierra algo más. La historia empieza sin mucha novedad, siguiendo cierta estela de lo que venían haciendo años atras Scott Snyder y Greg Capullo. De repente, un acontecimiento precipita la acción. Un avión se cae directo hacia el centro ciudad y Batman es el único que es capaz de detenerlo. ¡Y que no te quepa duda que hará todo lo que este en su mano para evitar la evidente tragedia!

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A estas alturas ya estas acostumbrados a que Batman sea capaz el solito de solventar cada nuevo problema que se le ponga delante (A pesar de no tener poderes y ser un simple ricachón musculoso). El tío se puede enfrentar a Darkside sin problema alguno y esto hasta cierto punto roza lo creíble en un personaje que gran parte de su atractivo se basa en ser una persona de a pie. Cuando se trata de este personaje nos lo creemos todo. TODO. Él es el mejor.


También es cierto que es un número muy dinámico en el que con cinco minutos tendrás tiempo de sobra para leertelo, ya que la acción es la que conduce la historia. La resolución del conflicto sirve al guionista para plantear el comienza de un arco argumental centrado en unos nuevos personajes que llegan a Gotham. ¿Con qué intenciones? Cuando leamos el siguiente número. 

lunes, 8 de mayo de 2017

Por trece razones (2016). Primera temporada

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Vía: PopSugar
Aunque en otros países podamos estar agotados de historias en institutos americanos, parece que en EEUU les queda cuerda para rato. A pesar de dicho desgaste y cumpliendo en gran medida con todos los estereotipos habidos y por haber, encontramos en Por trece razones una versión distorsionada e interesante de este subgénero teenager. Una interesante vuelta de tuerca que gira hacia el thriller a pesar de no separarse ni un momento del drama social, creando un híbrido muy compacto, donde se utiliza a los estudiantes para contar algo mucho más profundo.


Hannah Baker va a ser un nombre que no olvidarás si te adentras en lo último de Netflix, está basado en la novela de Jay Asher bajo el mismo título y producida entre otros por Selena Gómez. La serie parte del suicidio de esta joven como catalizador de una trama de investigación y descubrimiento personal por parte del verdadero protagonista, el tímido nerdie Clay Jensen. Mediante unas cintas que acaban de forma anómima en sus manos, Clay va siendo confidente de cada uno de los momentos que hicieron a Hannah acabar con su vida. Cada cara representa un motivo, una justificación para ella y para los espectadores. A pesar de ello, la trama no solo se detiene ahí.

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Vía: Moviepilot

El montaje es una de las bazas de la serie, siendo un buen ejercicio de ritmo cinematográfico. Permutando entre el presente y el pasado de forma que vayan avanzando ambos con mucho interés para el espectador. Al fin y al cabo, gran parte de la historia se desarrolla en los acontecimientos del pasado pero eso no nos hace perder el interés en lo que esta ocurriendo en el presente con las secuelas de la muerte de Hannah. Esa permuta entre dos tiempos se ajusta a la perfección a lo que se va narrando. Sirve para ir recordando junto con el protagonista todas las vicisitudes del entorno hostil que los rodea, así como su relación amorosa con Hannah. 


Si bien es cierto que hay momentos algo tramposos o estirados, es verdad que su valiente mensaje antibulling es muy potente. Quizás la serie a veces muestra demasiada crudeza pero es una forma de sacudir a la audiencia. Lo cual no evita que sigas viendo un capítulo tras otro. Y sea invetable conocer la verdad de su testimonio.


Así que, dale una oportunidad tanto si te gusta el género como si no es del que a priori más te interese. No te dejará indiferente. Disfrutarla es muy fácil, simplemente tienes que acomodarte bien y darle al play como hizo el bueno de Clay Jensen.

lunes, 24 de abril de 2017

Blackbird de David Harrower. Dirigido por Carlota Ferrer

Blackbird Beatles Harrower Carlota Ferrer Irene Escolar Teatro Kamikaze cartel

Tenemos que estar orgullosos y agradecidos por las propuestas tan arriesgadas que se están haciendo en el panorama teatral español, ¡no todo es Shakespeare! En general, un compendio de buenos textos, ingenio y planteamientos muy atractivos con los nuevos (o no tanto) nombres de la escena madrileña. Un ejemplo de ello es la nueva producción de los Kamikaze bajo el beatlemaníaco titulo Blackbird. La historia del reencuentro de Una y Ray, unos personajes con un pasado común que les marcó de por vida. Este controvertido drama de David Harrower con ecos a cierta novela de Nabokov, nos presenta a Irene Escolar y José Luis Torrijo en una obra inteligente, sobrecogedora y comprometida sobre el amor prohibido. ¿Alguién da más?



Blackbird Beatles Harrower Carlota Ferrer Irene Escolar Jose Luis Torrijo Teatro Kamikaze escena

Un pájaro siempre es un elemento representativo de la libertad que en este caso toma una tónica retorcida y diferente. Este juego de contrastes funciona muy bien con unos  protagonistas encerrados en un espacio escénico (maravillosa y eclecticamente planteado) que les asfixia poco a poco haciendo que su ansiedad explote. ¿Esto es el amor? Esa es la pregunta que sobrevuela a los espectadores durante los 90 minutos de representación y la respuesta no es nada fácil.

Blackbird Beatles Harrower Carlota Ferrer Irene Escolar Teatro Kamikaze escena


Bien es cierto que la lucha de titanes que se lleva a cabo en el escenario era algo obvio pero los resultados están más lejos de lo que nos llevan las especulaciones. No siguen convención alguna, rompiendo moldes con unos personajes que son de verdad. Escolar y Torrijo se descubren ante el público con unos roles que les vienen ni que pintados. El fruto de un trabajo actoral de altura. La propia obra guía al espectador por diferentes estados emocionales de la mano de los intérpretes, jugando con diferentes géneros, desde el cine, la danza contemporánea o el musical. A pesar de todo, sus momentos más brillantes se producen gracias a su economía y minimalísmo interpretativo. La propuesta escénica hay veces que no ayuda, distanciando al público más convencional con decisiones que tienen poderío visual pero que desdibujan un poco la historia. A pesar de su carácter expresivo, no aporta nada que no lo comuniquen los personajes con sus actitudes y estados de ánimo. 


Así nos encontramos ante un ave hermoso, que apreciamos en la distancia. Oímos su canto desconsolado y no podemos hacer nada, solo disfrutar de él y admirar sus alas, su tupido plumaje y recordarlo cuando se vaya para no volver jamás.

miércoles, 8 de marzo de 2017

El guardián invisible (2017) de Fernando González Molina

El guardián invisible marta etura la pelicula dolores redondo cartel
Vía: Filmaffinity
Como ya he comentado en más de una ocasión, el marco donde se sitúan las historias es clave para que un producto poco original encuentre su hueco, convirtiendo algo sobado en todo un descubrimiento cinematográfico. El lugar donde acontecen los hechos es tan importante que puede definir personajes y tramas. Una buena película no puede pasar por alto este punto. El guardián invisible encuentra su mejor baza en esto mismo. Un género habitual en superproducciones de Hollywood: el psicothriller tiene una estructura muy marcada que hace que todo funcione a las mil maravillas. Así que la ventaja de inicio con la que cuenta la película para funcionar en taquilla es el empleo de la localidad navarra donde se enmarca, así como el juego de contrastes con un ambiente muy bien definido (dado que la mitología vasca juega un papel fundamental) en la cinta de Fernando González Molina.


El personaje de Amaia Salazar se tiene que enfrentar a su pasado para resolver un caso de asesinato. Su vuelta a España tras su paso por el FBI le traerá problemas con sus compañeros de curro, sus antiguos vecinos y sobretodo con su familia. Marta Etura encaja a la perfección y defiende con entereza uno de los roles femeninos más importantes de la filmografía española de los últimos años. Una actriz que no tiene que demostrar nada a estas alturas y que da todo en una película que descansa sobre sus hombros.

El guardián invisible marta etura la pelicula dolores redondo cartel fernando gonzalez molina

Cuando nos enteramos de la adaptación de las exitosas novelas de Dolores Redondo, no pensamos hasta que punto iba a funcionar un film como este. Pero el triunfo ha sido palpable desde la primera escena. Los ambientes descritos en los libros casan a la perfección con la sobria puesta en escena de González Molina. Un ambiente sombrío y psicológico, con momentos cargados de tensión gracias a que todos los elementos están tan cuidados. No hay sorpresas pero te mantienen con la atención durante todo el metraje.


En definitiva, son de agradecer estas propuestas de género, sirven para ampliar el mapa de la cinematografía española que año tras año va mejorando. Por calidad técnica, artística y que por fin busca al espectador, sin que para ello tenga que vender un producto inteligente. Esperemos que esta cinta abra las puertas a la realización de los demás libros de la trilogía y que sirva de punta de lanza para un nuevo año de cine español de calidad.